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Arte tridimensional: concepto, características y tipos

Cuando un artista plástico realiza obras de arte que tengan alto, ancho y largo podemos afirmar que esta obra tiene características de ser un arte tridimensional y explicaremos de qué se trata esto.

El arte tridimensional consiste principalmente en lo expresado anteriormente, que es una obra donde se puede observar lo alto, ancho y largo de la misma, y que, en comparación con el arte bidimensional, este ya tenía presencia desde la antigüedad donde se observaban esculturas y edificaciones artísticas propias de la época.

Esta representado por formas que pueden ser geométricas y orgánicas, las cuales pueden ser apreciadas desde cualquier ángulo o perspectiva, a diferencia de las obras de arte bidimensionales, que solo pueden ser vistas de frente y esto es parte de las características que pueden presentar el arte cinético, ya que el espectador la puede observar de diferentes ángulos.

Arte tridimensional- concepto, características y tipos - Claudio Antonio

Dentro de estas obras de arte existen diversas técnicas que se aplican para darle el “toque especial” que marcará la diferencia. Por ejemplo, dentro de las técnicas tridimensionales, las obras de arte son de carácter Plásticas-Escultóricas, esto quiere decir que tienen tres dimensiones: Largo, Alto y Profundidad; la Profundidad es limitada entre la pared o superficie de fondo y el primer plano o superficie de la Obra se le llama “Relieves”.

Entre los materiales más utilizados para la creación de obras tridimensionales se encuentran la forma de tallas (piedra o madera), modelado (arcilla, cera), fundición y soldadura. Estas por lo general tuvieron una presencia fuerte durante los primeros años y siglos de la civilización, ya que en la prehistoria el hombre modeló objetos de arte con fines mágico-religiosos, y como herramientas de trabajo y defensa.

Los primeros objetos de arte prehistórico fueron creados en el Paleolítico inferior. El hombre fabricó flechas (bifaz) y cuchillos de sílex utilizando otras piedras; con estos utensilios podía defenderse. Estos instrumentos también le permitían cazar, descuartizar y cortar la carne de los animales.

Asimismo, también dentro del arte tridimensional se puede observar la producción de figuras abstractas o figurativas, como el huecograbado, el relieve o la ronda. En la arquitectura los primeros monumentos de piedra construidos por las sociedades primitivas son los antecedentes más lejanos del arte tridimensional.

Dentro del arte cinético, el arte tridimensional es muy evidente, por eso artistas venezolanos como Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, entre otros, implementan este tipo de expresión. Por esta razón, te compartimos 3 obras plásticas que demuestran los principios del arte tridimensional dentro del arte cinético:

Arte tridimensional- concepto, características y tipos - Claudio Antonio

La Esfera de Soto

En el distribuidor Santa Cecilia de la autopista Francisco Fajardo se encuentra esta obra de arte, creada en 1996. También conocida como la Esfera de Caracas, está conformada por 1800 varillas de aluminio, que representa una repetición de líneas que se pueden apreciar en 360º.

Actualmente es un símbolo capitalino y muchos caraqueño la visitas para realizar fotos, videos o disfrutar del paisaje.

Cubo virtual con progresión amarillo

Esta obra fue realizada como camuflaje de un ducto de ventilación de la estación Metro Chacaíto, es una obra a escala urbana, que se puede percibir como dos piezas separadas, pero están integradas por la continuidad del espacio, entre la parte externa (Plaza Brión) y la parte interna de la estación (mezzanina de la estación Metro Chacaíto).

El cubo suspendido está formado por varillas azules y negras en el aire. Además del efecto visual, se complementa con el sonoro, debido a que las varillas generan un sonido al ser movidas por el aire.

La progresión amarilla está formada por varillas amarillas en líneas de menor a mayor, creando una prisma triangular virtual.

Arte tridimensional- concepto, características y tipos - Claudio Antonio

Penetrable Azul

Esta es una obra que requiere la participación del espectador. Se encuentra en el museo Chateau Lacoste, en Francia. Esta es una de las muchas versiones que el artista ha realizado para conectar con las personas sin importar región y edad, debido a que su arte es universal.

En Venezuela, también hay versiones de Penetrables, donde las personas van a realizar fotos y videos creativos, generando una experiencia única para compartir con familiares y amigos.

Jesús Rafael Soto, fue y es una artista innovador que impacto con su arte a las sociedades del mundo, una nueva visión del cinetismo interactivo para los amantes del arte y enamorar a quienes visiten sus obras.

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Arte gótico: arte más teología

Al igual que otras corrientes artísticas que se desarrollaron durante la Europa de 1100, el arte gótico representó la unificación del arte con una nueva teología que comenzó a surgir en el viejo continente y que muchos consideran un arte “oscuro” para lo que se estaba acostumbrando en décadas anteriores.

Bajo este contexto nace el arte gótico. Este se caracteriza por tener una estética de la luz sobre todas las cosas, en donde se manifiesta el humanismo teocéntrico que dio paso al antropocentrismo renacentista. Normalmente el arte gótico predominó en la arquitectura religiosa, escultura y pintura de Europa entre el siglo XII y el siglo XV, hasta el surgimiento del movimiento cultural del Renacimiento. Lo precedió el arte románico (siglo XI y XII).

Como un dato curioso, el término gótico fue designado de manera despectiva por los escritores italianos clasicistas del Renacimiento, quienes consideraban a todo lo que no era clásico como una fealdad.

A esto también se le atribuía que el arte gótico también se puede acercar a las manifestaciones de arte que las tribus bárbaras que habían destruido al Imperio romano y su cultura clásica del siglo V d. C. El arte gótico fue valorado recién a partir del siglo XIX d. C. y fue considerado grandilocuente e imponente.

Arte gótico-arte más teología -Claudio Antonio

Entre las características que posee el arte gótico se encuentran:

  • Posee el principio de la estética de la luz como un fundamento de todo arte. Dentro del arte gótico esto fue capaz de representar la idea teocentrista de la luz de Dios.
  • Su aplicación más fuerte se encuentra en la arquitectura religiosa, como monasterios y catedrales.
  • El uso del arco ojival que terminaba en forma apuntada y generaba sensación de gran altura. Se aplicaba para las cúpulas, puertas y ventanales.
  • La aplicación de innovadoras técnicas de arquitectura que permitieron alcanzar el estilo único de techos altos, arcos arbotantes y extensas paredes de vitrales.
  • Dentro de su diseño predomina las formas extravagantes aplicadas tanto en la escultura como en la decoración arquitectónica.
  • La decoración con materiales brillosos y el uso de colores vivos, para exacerbar el concepto de luminosidad.
  • La aplicación de extensos ventanales de colores que reflejaban diferentes tipos de luz hacia el interior de las catedrales y monasterios.
Arte gótico-arte más teología -Claudio Antonio

Como hemos indicado anteriormente, el arte gótico puede evidenciarse más en la arquitectura donde se desarrolló la máxima expresión del mismo, el cual estuvo basado en el concepto de la luz como fundamento y símbolo de la divinidad.

Además, los elementos de la época con estética gótica resultaron símbolo de la espiritualidad. En la arquitectura se sumó, además, el desarrollo de nuevas técnicas sofisticadas para exacerbar el concepto teocentrista, como:

  • Las bóvedas de crucería: Consistían en un tipo de techo conformado por un sistema de bóvedas entrecruzadas que, a su vez, eran atravesadas por arcos ojivales o de terminación en punta. Este sistema resultaba de soporte para distribuir el peso de la estructura hacia los pilares.
  •  Los arcos arbotantes: Consistían en un medio arco construidos en la parte externa de la edificación y que se apoyaban en los muros laterales. Resultaban una guía de soporte de las bóvedas interiores.

Por otra parte, La pintura gótica fue reconocida como tal a partir del siglo XIV. Y en ella se destacó en las obras religiosas para representar a Cristo, los santos, los ángeles y las vírgenes, figuras que se empleaban para decorar las imponentes construcciones arquitectónicas. Se considera a la pintura gótica como una representación de las narraciones de la Biblia y los Evangelios.

Entre las principales características de la pintura gótica se destacan:

  • Las técnicas de los murales en fresco, la pintura sobre tabla, el temple y el óleo.
  • La representación de la luz y los juegos de contraluces que generaban la sensación de volumen y realismo.
  • Las mejoras en las técnicas de la perspectiva.
Arte gótico-arte más teología -Claudio Antonio

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3 artistas del arte cinético

El arte cinético ha evolucionado a medida que pasa el tiempo y ha generado una serie de artistas que han aportado un grano de arena a la construcción de este arte como lo conocemos actualmente. Dejando a un lado las limitantes de la época e inyectándole dinamismo, modernismo y mucho color a cada obra.

Por eso, te presentamos tres artistas plásticos europeos importantes que aportaron al crecimiento del arte cinético en el mundo:

Fue un pintor francés el cual perteneció al movimiento del arte conceptual y formó para el año 1967 el movimiento artístico que bajo las siglas BMPT se presentó en la capital francesa en 1967. Tras finalizar sus estudios secundarios Buren se matriculó en la Ecole Nationale Supérieure des Métiers d’Art de París y consiguió el título de licenciado en Bellas Artes en la especialidad de pintura en 1961.

Para el año de 1966 su amistad con los artistas Olivier Mosset (1944), Niele Toroni (1937) y Michel Parmentier, fue de gran importancia e influencia, tanto que esta unión ayudó a la creación del grupo BMPT. Este grupo se encontraba fuertemente influido por el Situacionismo propagado por Guy Debord en su libro “La sociedad del espectáculo”, y el cual propugnaba una interactividad entre el individuo y su entorno.

Su primera exposición conjunta se inauguró el 3 de enero de 1967 con motivo del XVIII Salón de Pintura Joven de París. Los cuatro artistas presentaron varios lienzos que tenían en común la sobriedad formal y su gran formato. Para cuestionar, tanto su obra como el certamen en el que se exhibía, al día siguiente de la inauguración, Buren, Mosset, Parmentier y Toroni descolgaron sus lienzos para, según ellos «desolidarizarse de manera definitiva de todos los salones parisienses».

3 artistas del arte cinético - Claudio Antonio
  • Jean Tinguely

Fue uno de los artistas más originales del siglo XX,  ya que su trabajo se centró en el movimiento expresado en términos futuristas dando vida a objetos cotidianos. Juntos como un solo ser hizo robots impulsados por la «mecánica del azar».

Tinguely fue un pintor Suizo que desde temprana edad comenzó sus estudios como decorador y entró en la Escuela de Artes Aplicadas de Basilea. Allí conoció a su primera novia, Eva Aeppli, y realizó sus primeras esculturas de metal como Stabilé II (c. 1948). Desde el principio, la influencia de Alexander Calder, Vassilij Kandinsky se hizo evidente en su trabajo.

En 1955, Tinguely participa en la primera exposición sobre arte cinético de la Galería Denise René. También se incluyeron en la muestra las obras de Alexander Calder, Marcel Duchamp y Victor Vasarely. En 1959, Tinguely inaugura la serie Meta-Matics: esculturas mecánicas que dibujan por sí mismas y funcionan con gasolina. Se exhibieron varios modelos en la Galería Iris Clert, así como una versión monumental durante la primera Bienal de París, bajo el asombro de André Malraux.

3 artistas del arte cinético - Claudio Antonio

Vásárhelyi Győző, rebautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se basa en jugar con nuestros ojos para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda suerte de ilusiones ópticas.

El artista plástico comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero eso no era lo suyo. Se interesó más bien por el arte abstracto de Mondrian y Malévich, gente muy interesada por lo que la geometría podría aportar al arte.

Vasarely llamó a todo esto cinética visual (cinétique plastique) y se basaba en la percepción del espectador que al final, se considera el único creador de la obra. O más bien el ojo del espectador, un miembro del cuerpo humano muy fácil de engañar.

El arte de Vasarely es pues un timo, una estafa, un engaño. Un engaño en el buen sentido de la palabra, si es que la palabra tenía buen sentido. Al menos Vasarely se lo dio.

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Qué es un movimiento lumínico

Dentro de las obras de arte cinético, normalmente existe una fusión entre el movimiento y el color, haciendo de cada obra un espectáculo que capta todos los sentidos. Si a esto le agregamos luces, entonces podemos decir que estamos también ante un movimiento lumínico que se complementa dentro del cinetismo. Para entender un poco sobre esto, sigue leyendo este artículo.

La energía lumínica o energía luminosa se puede definir como una energía transportada y compuesta por las ondas de la luz, que no es más que un tipo de radiación electromagnética, compuesta por partículas llamadas fotones.

Normalmente la luz se encuentra dentro de una franja del espectro electromagnético que nuestros ojos son capaces de detectar. Además, existe la luz visible que está entre las zonas infrarrojas y ultravioletas del espectro, tiene un rango particular de frecuencias, longitudes de onda y energías.

Es importante destacar que la luz se transmite a través de materiales o incluso en el vacío, ya que es una forma de radiación por eso argumentamos que la luz dentro del arte cinético lo complementa a la perfección. La partícula elemental asociada a la luz se denomina fotón y como tal se comporta a la vez como materia y como onda.

Qué es un movimiento lumínico -Claudio Antonio

En tal sentido, la energía lumínica está íntimamente relacionada con la cantidad de luz visible que se considere en una situación, teniendo cuidado de diferenciarla de la energía radiante, donde se incluyen otras radiaciones electromagnéticas de frecuencias que son imperceptibles para el ojo humano, como los rayos X, por ejemplo.

Además existen dos maneras de obtener esta energía:

Naturalmente. La energía lumínica es producto de cierto tipo de reacciones químicas exoenergéticas, o sea, que liberan energía, como las que tienen lugar dentro de las estrellas, como el Sol. De hecho, el Sol es nuestra gran fuente de energía lumínica cotidiana.

Artificialmente. Puede generarse la energía lumínica a través de distintos mecanismos físico-químicos, como la combustión, o también mediante la electricidad, tal y como hacemos a diario al encender un bombillo.

La rama de la ciencia encargada de estudiar la relación entre la luz y el sistema visual es la fotometría. Es por ello que entre las modalidades del arte cinético se pueden dividir en dos grandes grupos:

  • Movimiento Lumínico: Que consiste en los cambios constantes de la luz, color y trama.
  • Movimiento Espacial: Que es el llamado cinetismo, ya que sus movimientos son perfectamente captados por el público que contempla la obra.
Qué es un movimiento lumínico -Claudio Antonio

Ambas modalidades del arte fueron tendencia que se dieron paso a principio de los años sesenta y llegando a su máxima popularidad a finales de los años sesenta en París. El arte cinético se ve materializado en las exhibiciones que se llevaron cabo en diversas partes del mundo como en Zúrich y los Países Bajos, siendo este tipo de arte lo más llamativo para la época.

En si el Arte Cinético parte de que el movimiento es su primordial estructura, lo que significa que la cinética se interrumpe porque la pintura puede tener una posición estática que hace que sea una exposición de la obra; como algo que se mueve que no solo refleja que pueda estar en movimiento sino que está moviéndose, como por ejemplo las obras expuestas por el artista Alexander Calder, ya que sus obras no importa en la posición o ángulo que se encuentre el movimiento siempre será independiente.

Es importante destacar que hay artistas que este tipo de elemento puede ser incluido dentro de la presentación de sus obras y que aportan diversos sentidos de acuerdo a como lo capta el ojo de la persona que lo está observando. Mientras tanto, sigamos definiendo elementos que conforman el arte cinético y que le dan esas características únicas

Qué es un movimiento lumínico -Claudio Antonio

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¿Qué es el arte conceptual?

El arte conceptual es considerado actualmente como una creación artística por medio de la cual se busca la forma de exteriorizar el concepto de la obra, pero manteniendo la estética sin que exista una elaboración artística determinada. Esto no se limita a un arte en especial, ya que puede ser utilizado en la escultura, pintura, arquitectura, entre otros, que pueden ser utilizados materiales y técnicas de uno en específico.

Este movimiento también es considerado uno de los más radicales y controvertidos entre el arte moderno y contemporáneo, por lo que muchos artistas e historiadores del arte lo han descartado como arte. Sin embargo, este se basa en la idea o concepto de un artista por lo que se puede acercar un poco más al arte en sí y descartar varias teorías. Algunos artistas conceptuales creen que el arte es creado por el espectador, no por el artista o la obra de arte en sí.

Otro nombre que se le ha dado al arte conceptual es el de information art, software art o idea art y también puede decirse que consiste en la creación artística en la cual lo más importante es el concepto de la obra. Esto permite que se pueda mantener una experiencia estética sin la elaboración artística, o el valor plástico de los objetos, la información y el conocimiento basado en el contenido conceptual desarrollado.

Qué es el arte conceptual - Claudio Antonio

Según diversos portales web, el arte conceptual posee diversas características:

  • Dado que las ideas y los conceptos son la característica principal del arte, la estética y las preocupaciones materiales tienen un papel secundario en el arte conceptual.
  • Los temas del arte conceptual pueden dedicarse a explorar, atestiguar, cuestionar, criticar o denunciar la realidad actual del entorno social, político o económico.
  • Utiliza la ironía, sátira o la polémica en su forma de manifestación buscando la reflexión y la lectura del concepto artístico.
  • Se reduce la presencia material de la obra, lo que se conoce como desmaterialización del arte, y ésta es una de las características principales.
  • Nació como una reacción contra los principios del formalismo.
  • El arte conceptual es un término muy amplio e incluye varias prácticas artísticas

Historia

Esta corriente artística aparece a finales de los años sesenta con manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas. Entre la idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte componente heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de artículos publicados en 1967 y 1969.

De allí han surgido innumerables movimientos tales como:

  • Video-arte: Este contempla que por medio de él se puede expresar ideas y conceptos bajo un sentido artístico pleno sin importar la calidad en la grabación. El video-arte a su vez se relacionó con otros medios conceptuales como la instalación o el performance.
  • Instalación: Se puede indicar que esto nace gracias a las manifestaciones que formaban parte de un espacio por medio de medios no tradicionales en el arte, pudiendo ser tanto física, como sonora, lumínica, o interactiva.
  • Performance: este tipo de corriente se expresaba mediante el cuerpo sin recurrir a las manifestaciones escénicas tradicionales. Algunos de sus géneros son el Happening, Flashmob, Body Art, Sniggling, etc.
  • Arte-objeto: Este arte pertenece al conjunto de obras que son construidas por medio de la modificación de objetos y materiales sin tener la necesidad de recurrir a los medios tradicionales. Las obras se representan como piezas escultóricas, estatuas o figuras.
  • Ready-made: recolectaba y presentaba cualquier tipo de objetos no artísticos encontrados convirtiéndolos en obras con un sentido artístico.
  • Gráfica alternativa y Collage: normalmente es utilizado dentro de varios medios impresos combinados con otros materiales para dar cuerpo a las obras, por medio de recortes de periódicos, revistas o fotografías formando collages, cuadros o incluso libros de artista

Qué es el arte conceptual - Claudio Antonio
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4 artistas plásticos más cotizados de Venezuela

Venezuela cuenta con una alta gama de artistas plásticos que han puesto el nombre del país en alto desde el extranjero y han dado a la nación obras emblemáticas que hoy en día siguen siendo el centro de atracción para caraqueños y extranjeros.

Hoy queremos compartirte 4 artistas plásticos y cómo ha sido su trayectoria al pasar del tiempo:

Jesús Soto

Fue uno de los principales artistas del cinetismo de Venezuela. Nació en el estado Bolívar, el 5 de junio de 1923, y se dedicó a la investigación espacio-temporal del objeto para así redefinir la función del arte, con la intención de involucrar al espectador con sus obras.

Luego de estudiar Bellas Artes en la Capital Venezolana, se dirigió a París en 1950, donde fue integrante de los Disidentes, un grupo de artistas venezolanos que buscaban renovar las artes plásticas de su país.

En 1955, en París, participó en la exposición grupal “Le mouvement” de la galería Denise René, este fue uno de los eventos que dio comienzo al movimiento del cinestismo en el mundo. Soto logró crear obras para todas las personas, sin importar edad o cultura del espectador, apreciar su arte es entender su propósito.

Omar Carreño

Carreño fue un venezolano que se especializó en diversas áreas: fue arquitecto, escultor, pintor y orfebre, es decir, fue un artista integral que gracias a su pasión por el arte dejó un legado imborrable en nuestra historia y cultura.

Las obras de Carreño dan a conocer el sueño de cualquier artista: crear un orden para el mundo. Esta era la promesa en los años cincuenta y sesenta, cuando un grupo de venezolanos cinéticos propusieron influir directamente en el los paisajes a través del arte integrado a la arquitectura, de piezas que se podían toca, voltear, mover e incluso rearmar por medio del juego de la percepción visual, debido a que se obligaba al espectador a moverse, explorar e involucrarse con la obra.

Entre sus muchas exposiciones y éxitos artísticos sobresalen las realizadas en Lausannc Suiza, Galería Marcon IV de Roma, Galería Durban (Caracas), Museo de Bellas Artes (Caracas) y el Museo Español de Arte Contemporáneo.

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Manuel Cabré

Fue considerado un Importante paisajista venezolano, el cual es muy conocido por ser el “pintor del Ávila”. Fueron sus padres, el escultor español Angel Cabré y Magriña y Concepción A. de Cabré. A la edad de 6 años llega a Caracas donde cursa sus primeras letras con un maestro de apellido Gil quien enseñaba en una escuelita ubicada entre las esquinas de Carmen y Bucare.

Durante el año de 1904, Cabré se inscribe en la Academia de Bellas Artes y para el año de 1908 obtiene su primera distinción académica con un cuadro de gran tamaño: Paisaje de la Sabana del Blanco. En el año 1909, participa en una huelga de estudiantes de la academia que protestaban en contra del sistema pedagógico imperante en el instituto.

Entre las principales retrospectivas presentadas en reconocimiento de su labor artística, figuran: Sala Mendoza (1965), Museo de Bellas Artes (1971), Galería de Arte Nacional (1980), Museo de Arte Contemporáneo (1990).

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Carlos Cruz Diez

Artista plástico venezolano, nacido en la ciudad de Caracas el 17 de agosto de 1923. Durante el año de 1940 y 1945 Cruz Diez estudia en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, donde coincide con otros grandes artistas plásticos de Venezuela como lo son: Jesús Soto, Narciso Debourg, Mateo Manaure y Alejandro Otero.

Durante su carrera artística tuvo grandes avances durante los años, y muestra de ello fue que para 1946 fue nombrado como director artístico de la agencia de publicidad McCannErickson, hasta el año de 1951, donde comienza a desarrollar la producción plástica en los años que enmarca en un arte con realismo social.

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¿Qué materiales se utilizan para el arte cinético?

Sabemos que el arte cinético es un movimiento artístico el cuál se desarrolló por primera vez en 1920, y que consiste en que las obras tienen algún movimiento o parecen tenerlo, por lo que suelen interactuar con elementos en el “exteriores” como pueden ser el viento o el agua; algunos tipos de motores; e incluso la luz o el electromagnetismo.

Dentro de esta corriente artística se puede a su vez clasificar en tres tipos de estructuras que se observan dentro del arte cinético, como lo son:

  • Los estables: este tipo de obras tienen un carácter fijo, lo que permite que el espectador pueda rodear la obra y percibir en diferentes ángulos el movimiento.
  • Los móviles: por su parte, las obras móviles producen un movimiento real, y por tanto van cambiando su estructura constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada instante nace una obra distinta.
  • Los penetrables: Son obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el productor de movimiento.

Entre las características del arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero también en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.

Por lo general, los materiales utilizados para realizar obras cinéticas deben ser fáciles de manipular, de cambiar su forma y que aporten dinamismo. Los más comunes son el acero, el metal o la madera, y son accionadas mediante mecanismos impulsados por agua o por alguna fuerza motriz. Definamos cada uno de estos:

Es uno de los materiales utilizados no solo dentro del arte cinético sino también dentro del arte moderno. El acero normalmente se utiliza para esculturas al aire libre, el cual permite que pueda resistir al paso del tiempo y los constantes cambios de la naturaleza.

El acero también es utilizado dentro de los soportes metálicos que se utilizan en la escultura pintada, los cuales son generalmente de este material que pueden ser aceros al carbono, acero corten, acero galvanizado, aluminio y bronce.

Los más empleados en las esculturas al aire libre son aluminio y acero carbono siempre que vayan a ser cubiertos por capas de pintura. Por eso es importante que lo tengas en cuenta. Este también se emplea en escultura es de tipo laminado. Sigue un proceso que se puede desarrollar en caliente o en frío.

En cuanto a escultura contemporánea, normalmente se emplea un acero en forma de planchas de acero que luego son soldadas.

Que materiales se utilizan para el arte cinetico- Claudio Antonio

Este material es considerado un elemento ligero, flexible, moldeable y que presenta una gran resistencia a la tensión, por lo que es ideal al momento de utilizarlo para realizar alguna obra de arte.

Gracias a las vetas y la gran variedad de su textura, este le proporcionan una gran belleza natural y muchos objetos artísticos, decorativos y musicales han surgido del trabajo de artistas, luthiers y artesanos. Mediante instrumentos cortantes y abrasivos la madera va tomando diversas formas, dimensiones y usos.

Hasta la fecha existen miles de instrumentos que se ha inventado desde el comienzo de la historia de la humanidad quedan clasificados en tres tipos fundamentales. En los de viento las notas son emitidas al producirse rápidas vibraciones en la columna de aire que contienen sus tubos.

Que materiales se utilizan para el arte cinetico- Claudio Antonio
  • Metal:

Al igual que el acero, el metal es utilizado dentro del arte cinético ya que es un material resistente, que proporciona durabilidad a la obra y es totalmente maleable. Lo que hace que algo básico se pueda convertir en extraordinario.

Tanto el hierro y el acero protagonizan muchas obras de arte y esculturas hoy en día. Algunas se exponen en interior y otras en exterior, pero lo cierto es que es posible encontrar mucha variedad. Con esculturas pequeñas o grandes, de todo tipo.

Que materiales se utilizan para el arte cinetico- Claudio Antonio