2 artistas Latinoamericanos de arte cinético

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Sabemos que el arte cinético es parte de las corrientes artísticas que representan el modernismo, además que esta va avanzando a medida que nuevos artistas van surgiendo (no solo en Venezuela sino en cualquier parte del mundo y en especial, Latinoamérica)

Es por esta razón, que hoy queremos compartirte la vida y trabajos realizados por dos artistas latinoamericanos que ejecutan obras dentro del arte cinético y detallaremos cuál sería el aporte de ellos para este tiempo.

Iván Contreras-Brunet

Iván Contreras Brunet, es un pintor y escultor chileno que nació en la ciudad de Santiago el 19 de febrero de 1927. Como parte de su preparación académica, Contreras- Brunet ingresó a la Escuela de Bellas Artes de Santiago en el año de 1949 donde fue alumno del también artista plástico Gregorio de la Fuente y Marta Colvin.

Para el año 1952 el artista chileno residió en París, donde desarrolló la mayor parte de su carrera y en 1968, fue fundador del grupo Co-Mo, Constructivisme et Mouvement que lo une al trabajo de otros artistas europeos y latinoamericanos como Vantogerloo y Jesús Rafael Soto quienes revitalizaron la tendencia plástica comenzada en 1913 por los rusos Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko. Vivió en Nueva York, Estados Unidos desde 1957 a 1961. Volvió a radicarse definitivamente en París en 1961.

Cabe destacar, que fue el primer chileno en representar a nuestro país en la Bienal de Venecia en 1972. Es miembro del comité organizador del Salón Comparisons que se efectúa en París desde 1955, en el que se muestran obras de las más diversas tendencias que se desarrollan en materia de Artes Plásticas.

El trabajo presentado por el artista presenta relieves y esculturas exentas, las cuales se encuentran colocadas sobre el piso o suspendidas. Hay que destacar que posee una extraordinaria habilidad, para manipular un estilo cinético que se encuentra basado en el doblando, cortando, sobreponiendo o suspendiendo mediante leves ataduras frente a un fondo plano, también enmallado, cuadrados, rectángulos o círculos que parecen flotar.

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Martha Boto

Pintora y escultora argentina que demostró dentro de sus trabajos las distintas variaciones ópticas de la luz y el color, así como del movimiento. Asimismo, Boto fue miembro un miembro de la Asociación Arte Nuevo que fue creada en el año 1955 por el poeta Aldo Pellegrini y por el artista Carmelo Arden Quin. También en el año 1956 formó parte del grupo Artistas No Figurativos Argentinos.

 En 1959 se instaló definitivamente en París donde tomó contacto con el Movimiento Op-art y Arte Cinético. Sus obras cinéticas y ópticas se orientaron a la yuxtaposición de relieves estáticos o móviles, experimentando con el azar, el juego y el movimiento. En 1960 participó de la primera Bienal de París.

 En 1969 realizó su primera exposición individual en la galería Denise René. Sus obras participaron de exposiciones en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid en 2007, en el Museo de Bellas Artes de Houston en 2009 y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en 2012, entre muchas otras.

Su obra está incluida en colecciones públicas y privadas como el Centre Georges Pompidou, Fondo Nacional de Arte Contemporáneo y el Museo de Arte Moderno de París, Francia; el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), la Fundación Torcuato Di Tella y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil; la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia; el Museo de Arte de Tel Aviv, Israel; el Museo de Bellas artes de Houston (MFAH), Texas, USA; entre muchas otras.

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Es importante resaltar que ambos artistas plásticos han aportado en gran manera a esta corriente artística, por lo que su nombre se encuentra en la lista de los mejores exponentes dentro del continente.

La estética dentro del arte cinético

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Cuando estudiamos la belleza de la naturaleza de las obras de arte e involucramos el análisis de la perspectiva a la cual el pintor realizó su trabajo y lo que quería transmitir a través de cada trazo, estructura y simbolismo, podemos indicar que estamos apreciando la estética de la obra (y esto dentro del arte es sumamente valioso).

La estática la podemos definir como el análisis de la naturaleza y la belleza por parte de los individuos, los cuales pueden estar estrechamente relacionado con las artes. Su nombre deriva del latín moderno aestheticus, y también del griego aisthētikós que significa “percepción o sensibilidad” a través de los sentidos.

Cuando se valora una obra de arte como “bella” o “sublime” el crítico debe utilizar sus conocimientos sobre el arte y emitir su juicio estético. A su vez, el concepto de estética ha evolucionado con el tiempo y se han dividido en varias corrientes, algunas de ellas pueden ser los siguientes:

  • La estética clásica: Fue un concepto desarrollado durante la Antigua Grecia, en especial cuando estaban los romanos. Allí se desarrolló el fundamento de las nociones futuras de lo bello en Occidente. Para ellos, lo bello, lo bueno y lo verdadero eran una sola cosa, y su naturaleza tenía que ver con la mesura, la armonía, la justicia y la adecuación al ideal de una época.
  • La estética medieval: Este tipo de corriente nació durante el Medioevo, donde fue una época mayoritariamente religiosa en Occidente, en la que el pensamiento cristiano imperó por encima de los demás. Así, el concepto de belleza tenía que ver con los valores fundamentales cristianos: la fe en Dios, el sacrificio, la pasión y la pureza, o sea, con la moral más que con las apariencias.
  • La estética moderna: Se desarrolló durante el Renacimiento, cuando se rompió con la tradición cristiana y reivindicó lo clásico en el marco de las ideas del humanismo y la Ilustración, para quienes pensaban a la razón como un concepto central. Las ideas de belleza de la época se atribuían a lo planificado, lo estructurado, lo simétrico y lo armónico. Se pensaba a la belleza a partir de la perfección y el orden, sin dar espacio a la extravagancia o la desproporción.
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Bajo este concepto, el arte cinético también se levanta y a su vez crea una percepción de la estética según el color, forma de la estructura y armonía, que juntos hacen un espectáculo para la vista de las personas.

Entre las características propias de la estética, el arte cinético abarca varias que permiten que pueda entrar en armonía, algunas de ellas son las siguientes:

  • Cualidades sensoriales: El arte cinético permite que las personas que lo observen tengan una experiencia sensorial, ya que el artista puede hacer que un objeto sea agradable a los sentidos (por ejemplo, su textura, sus colores, su brillo o su timbre).

Además, estas cualidades se perciben mediante los sentidos y, según quién las experimente, varía el placer que producen. Por ejemplo, si una obra cinética permite que la persona pueda atravesarla, entonces garantiza una experiencia sónica y táctil.

  • Cualidades formales: Esto se encuentra conformado por el modo en que en el objeto se combinan los elementos que lo componen, o la relación que puede percibirse entre ellos. Por ejemplo, dentro del arte cinético se conforma por formas y colores, si estos unidos tienen armonía entonces puede tener este tipo de cualidades.
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  • Cualidades vitales: Refieren al contenido existencial o vivencial de un objeto, es decir, a las ideas que evoca, a los sentimientos que transmite o a las vivencias que recupera. Un ejemplo de ello, es cuando los artistas reflejan parte de su historia o experiencias en cada obra.

Elías Crespín: Nueva era del arte cinético

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Muchos son los artistas latinoamericanos que se han destacado dentro del arte cinético. Carlos Cruz Diez, Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero, entre otros, han abierto paso con el tiempo a la generación de relevo dentro de este estilo de arte, dando la pauta en cuanto a color, movimiento y creatividad. Entre los exponentes de esta nueva generación se encuentra Elías Crespín.

Este artista venezolano empezó a escucharse desde el 2020, cuando el 25 de enero presentó una obra de arte cinético es ahora parte de la colección permanente del Museo del Louvre, dando así mucho de qué hablar.

Es considerado el primer artista latinoamericano en tener una obra en este museo y lo más resaltante es que sus obras se han desarrollado principalmente en el exterior, aunque al inicio de su carrera expuso en algunas galerías y museos del país.

Este artista nació en el año de 1965 en Caracas (Venezuela), y estudió ingeniería informática. Aunque usted no lo crea, por sus venas corre sangre artística ya que es nieto de Gego y Gerd Leufert, además de ser hijo de matemáticos, cosa que le agrega un plus significativo dentro de su arte.

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Durante su desarrollo artístico pudo tener contacto con artistas, amigos de sus abuelos, y haber atestiguado sus procesos creativos deben haberlo impactado de alguna manera. Su primera obra fue Malla Electrocinética I (2004), la cual le tomó dos años de trabajo. Conjugar sus dos universos de pertenencia, el arte y la informática, han hecho que produzca obras que en esencia son una reflexión matemática sobre el movimiento.

En el 2018, Crespin fue comisionado por el Museo del Louvre, para el cual desarrolló “L’Onde du Midi” (2020), una escultura móvil a gran escala en la cual 128 cilindros de metal penden de cables de nailon conectados a motores programados que generan movimiento de manera algorítmica.

Las ondulaciones y transformaciones de la pieza crean una coreografía cuyo motivo son las líneas y planos de la arquitectura del museo, materializando la abstracción de las continuidades formales entre la obra y el espacio. La investigación de Crespin concierne al tiempo, la forma y el movimiento; no como elementos cinéticos atados a la estética, sino como elementos matemáticos vinculados al análisis y a la programación.

Sus obras han sido expuestas en varias exposiciones internacionales individuales y colectivas entre las que destacan, la Exposición Internacional en Astana; la XIII Bienal de Cuenca; la Bienal de Busan Corea en; el Grand Palais; la Maison de l’Amérique Latine; el Musée de la Musique de París; el Musee de Louvre; la Fondation Boghossian; la Verrière Hermès de Bruselas; The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH); y el Ullens center for contemporary art en Beijing.

La obra

L’Onde du Midi pertenece a la categoría de «Plano Flexionante», está formada por 128 tubos cilíndricos alineados paralelamente, suspendidos en el aire por hilos transparentes, que constituyen un plano horizontal rectangular de casi diez metros de largo (1,50 x 9,50 m) cuando está en reposo. Al accionarse en el espacio, alcanza una amplitud de 3 a 4,50 metros de alto, al ritmo de secuencias establecidas mediante algoritmos numéricos.

Esto sin duda representa una especie de “coreografía ondulatoria”, en donde la linealidad mecánica está ausente, privilegia la lentitud y favorece la contemplación. Frente a ella, el espectador se ve sumergido en una danza lenta y grácil de formas infinitas e impredecibles.

Su configuración espacial es aleatoria y nos sorprende continuamente, a través de formas que se expanden, aplanan y difractan; pasando del orden al caos, de lo simple a lo complejo. Asimismo, la escalera meridional se transforma así en el escenario de un silencioso ballet, brindando al visitante un alto en el camino y una vista espectacular. 

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Arte tridimensional: concepto, características y tipos

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Cuando un artista plástico realiza obras de arte que tengan alto, ancho y largo podemos afirmar que esta obra tiene características de ser un arte tridimensional y explicaremos de qué se trata esto.

El arte tridimensional consiste principalmente en lo expresado anteriormente, que es una obra donde se puede observar lo alto, ancho y largo de la misma, y que, en comparación con el arte bidimensional, este ya tenía presencia desde la antigüedad donde se observaban esculturas y edificaciones artísticas propias de la época.

Esta representado por formas que pueden ser geométricas y orgánicas, las cuales pueden ser apreciadas desde cualquier ángulo o perspectiva, a diferencia de las obras de arte bidimensionales, que solo pueden ser vistas de frente y esto es parte de las características que pueden presentar el arte cinético, ya que el espectador la puede observar de diferentes ángulos.

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Dentro de estas obras de arte existen diversas técnicas que se aplican para darle el “toque especial” que marcará la diferencia. Por ejemplo, dentro de las técnicas tridimensionales, las obras de arte son de carácter Plásticas-Escultóricas, esto quiere decir que tienen tres dimensiones: Largo, Alto y Profundidad; la Profundidad es limitada entre la pared o superficie de fondo y el primer plano o superficie de la Obra se le llama “Relieves”.

Entre los materiales más utilizados para la creación de obras tridimensionales se encuentran la forma de tallas (piedra o madera), modelado (arcilla, cera), fundición y soldadura. Estas por lo general tuvieron una presencia fuerte durante los primeros años y siglos de la civilización, ya que en la prehistoria el hombre modeló objetos de arte con fines mágico-religiosos, y como herramientas de trabajo y defensa.

Los primeros objetos de arte prehistórico fueron creados en el Paleolítico inferior. El hombre fabricó flechas (bifaz) y cuchillos de sílex utilizando otras piedras; con estos utensilios podía defenderse. Estos instrumentos también le permitían cazar, descuartizar y cortar la carne de los animales.

Asimismo, también dentro del arte tridimensional se puede observar la producción de figuras abstractas o figurativas, como el huecograbado, el relieve o la ronda. En la arquitectura los primeros monumentos de piedra construidos por las sociedades primitivas son los antecedentes más lejanos del arte tridimensional.

Dentro del arte cinético, el arte tridimensional es muy evidente, por eso artistas venezolanos como Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, entre otros, implementan este tipo de expresión. Por esta razón, te compartimos 3 obras plásticas que demuestran los principios del arte tridimensional dentro del arte cinético:

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La Esfera de Soto

En el distribuidor Santa Cecilia de la autopista Francisco Fajardo se encuentra esta obra de arte, creada en 1996. También conocida como la Esfera de Caracas, está conformada por 1800 varillas de aluminio, que representa una repetición de líneas que se pueden apreciar en 360º.

Actualmente es un símbolo capitalino y muchos caraqueño la visitas para realizar fotos, videos o disfrutar del paisaje.

Cubo virtual con progresión amarillo

Esta obra fue realizada como camuflaje de un ducto de ventilación de la estación Metro Chacaíto, es una obra a escala urbana, que se puede percibir como dos piezas separadas, pero están integradas por la continuidad del espacio, entre la parte externa (Plaza Brión) y la parte interna de la estación (mezzanina de la estación Metro Chacaíto).

El cubo suspendido está formado por varillas azules y negras en el aire. Además del efecto visual, se complementa con el sonoro, debido a que las varillas generan un sonido al ser movidas por el aire.

La progresión amarilla está formada por varillas amarillas en líneas de menor a mayor, creando una prisma triangular virtual.

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Penetrable Azul

Esta es una obra que requiere la participación del espectador. Se encuentra en el museo Chateau Lacoste, en Francia. Esta es una de las muchas versiones que el artista ha realizado para conectar con las personas sin importar región y edad, debido a que su arte es universal.

En Venezuela, también hay versiones de Penetrables, donde las personas van a realizar fotos y videos creativos, generando una experiencia única para compartir con familiares y amigos.

Jesús Rafael Soto, fue y es una artista innovador que impacto con su arte a las sociedades del mundo, una nueva visión del cinetismo interactivo para los amantes del arte y enamorar a quienes visiten sus obras.

3 artistas del arte cinético

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El arte cinético ha evolucionado a medida que pasa el tiempo y ha generado una serie de artistas que han aportado un grano de arena a la construcción de este arte como lo conocemos actualmente. Dejando a un lado las limitantes de la época e inyectándole dinamismo, modernismo y mucho color a cada obra.

Por eso, te presentamos tres artistas plásticos europeos importantes que aportaron al crecimiento del arte cinético en el mundo:

Fue un pintor francés el cual perteneció al movimiento del arte conceptual y formó para el año 1967 el movimiento artístico que bajo las siglas BMPT se presentó en la capital francesa en 1967. Tras finalizar sus estudios secundarios Buren se matriculó en la Ecole Nationale Supérieure des Métiers d’Art de París y consiguió el título de licenciado en Bellas Artes en la especialidad de pintura en 1961.

Para el año de 1966 su amistad con los artistas Olivier Mosset (1944), Niele Toroni (1937) y Michel Parmentier, fue de gran importancia e influencia, tanto que esta unión ayudó a la creación del grupo BMPT. Este grupo se encontraba fuertemente influido por el Situacionismo propagado por Guy Debord en su libro “La sociedad del espectáculo”, y el cual propugnaba una interactividad entre el individuo y su entorno.

Su primera exposición conjunta se inauguró el 3 de enero de 1967 con motivo del XVIII Salón de Pintura Joven de París. Los cuatro artistas presentaron varios lienzos que tenían en común la sobriedad formal y su gran formato. Para cuestionar, tanto su obra como el certamen en el que se exhibía, al día siguiente de la inauguración, Buren, Mosset, Parmentier y Toroni descolgaron sus lienzos para, según ellos «desolidarizarse de manera definitiva de todos los salones parisienses».

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  • Jean Tinguely

Fue uno de los artistas más originales del siglo XX,  ya que su trabajo se centró en el movimiento expresado en términos futuristas dando vida a objetos cotidianos. Juntos como un solo ser hizo robots impulsados por la «mecánica del azar».

Tinguely fue un pintor Suizo que desde temprana edad comenzó sus estudios como decorador y entró en la Escuela de Artes Aplicadas de Basilea. Allí conoció a su primera novia, Eva Aeppli, y realizó sus primeras esculturas de metal como Stabilé II (c. 1948). Desde el principio, la influencia de Alexander Calder, Vassilij Kandinsky se hizo evidente en su trabajo.

En 1955, Tinguely participa en la primera exposición sobre arte cinético de la Galería Denise René. También se incluyeron en la muestra las obras de Alexander Calder, Marcel Duchamp y Victor Vasarely. En 1959, Tinguely inaugura la serie Meta-Matics: esculturas mecánicas que dibujan por sí mismas y funcionan con gasolina. Se exhibieron varios modelos en la Galería Iris Clert, así como una versión monumental durante la primera Bienal de París, bajo el asombro de André Malraux.

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Vásárhelyi Győző, rebautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se basa en jugar con nuestros ojos para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda suerte de ilusiones ópticas.

El artista plástico comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero eso no era lo suyo. Se interesó más bien por el arte abstracto de Mondrian y Malévich, gente muy interesada por lo que la geometría podría aportar al arte.

Vasarely llamó a todo esto cinética visual (cinétique plastique) y se basaba en la percepción del espectador que al final, se considera el único creador de la obra. O más bien el ojo del espectador, un miembro del cuerpo humano muy fácil de engañar.

El arte de Vasarely es pues un timo, una estafa, un engaño. Un engaño en el buen sentido de la palabra, si es que la palabra tenía buen sentido. Al menos Vasarely se lo dio.

Qué es un movimiento lumínico

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Dentro de las obras de arte cinético, normalmente existe una fusión entre el movimiento y el color, haciendo de cada obra un espectáculo que capta todos los sentidos. Si a esto le agregamos luces, entonces podemos decir que estamos también ante un movimiento lumínico que se complementa dentro del cinetismo. Para entender un poco sobre esto, sigue leyendo este artículo.

La energía lumínica o energía luminosa se puede definir como una energía transportada y compuesta por las ondas de la luz, que no es más que un tipo de radiación electromagnética, compuesta por partículas llamadas fotones.

Normalmente la luz se encuentra dentro de una franja del espectro electromagnético que nuestros ojos son capaces de detectar. Además, existe la luz visible que está entre las zonas infrarrojas y ultravioletas del espectro, tiene un rango particular de frecuencias, longitudes de onda y energías.

Es importante destacar que la luz se transmite a través de materiales o incluso en el vacío, ya que es una forma de radiación por eso argumentamos que la luz dentro del arte cinético lo complementa a la perfección. La partícula elemental asociada a la luz se denomina fotón y como tal se comporta a la vez como materia y como onda.

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En tal sentido, la energía lumínica está íntimamente relacionada con la cantidad de luz visible que se considere en una situación, teniendo cuidado de diferenciarla de la energía radiante, donde se incluyen otras radiaciones electromagnéticas de frecuencias que son imperceptibles para el ojo humano, como los rayos X, por ejemplo.

Además existen dos maneras de obtener esta energía:

Naturalmente. La energía lumínica es producto de cierto tipo de reacciones químicas exoenergéticas, o sea, que liberan energía, como las que tienen lugar dentro de las estrellas, como el Sol. De hecho, el Sol es nuestra gran fuente de energía lumínica cotidiana.

Artificialmente. Puede generarse la energía lumínica a través de distintos mecanismos físico-químicos, como la combustión, o también mediante la electricidad, tal y como hacemos a diario al encender un bombillo.

La rama de la ciencia encargada de estudiar la relación entre la luz y el sistema visual es la fotometría. Es por ello que entre las modalidades del arte cinético se pueden dividir en dos grandes grupos:

  • Movimiento Lumínico: Que consiste en los cambios constantes de la luz, color y trama.
  • Movimiento Espacial: Que es el llamado cinetismo, ya que sus movimientos son perfectamente captados por el público que contempla la obra.
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Ambas modalidades del arte fueron tendencia que se dieron paso a principio de los años sesenta y llegando a su máxima popularidad a finales de los años sesenta en París. El arte cinético se ve materializado en las exhibiciones que se llevaron cabo en diversas partes del mundo como en Zúrich y los Países Bajos, siendo este tipo de arte lo más llamativo para la época.

En si el Arte Cinético parte de que el movimiento es su primordial estructura, lo que significa que la cinética se interrumpe porque la pintura puede tener una posición estática que hace que sea una exposición de la obra; como algo que se mueve que no solo refleja que pueda estar en movimiento sino que está moviéndose, como por ejemplo las obras expuestas por el artista Alexander Calder, ya que sus obras no importa en la posición o ángulo que se encuentre el movimiento siempre será independiente.

Es importante destacar que hay artistas que este tipo de elemento puede ser incluido dentro de la presentación de sus obras y que aportan diversos sentidos de acuerdo a como lo capta el ojo de la persona que lo está observando. Mientras tanto, sigamos definiendo elementos que conforman el arte cinético y que le dan esas características únicas

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¿Qué es el arte conceptual?

Que es el arte conceptual Claudio Antonio3 - ¿Qué es el arte conceptual?

El arte conceptual es considerado actualmente como una creación artística por medio de la cual se busca la forma de exteriorizar el concepto de la obra, pero manteniendo la estética sin que exista una elaboración artística determinada. Esto no se limita a un arte en especial, ya que puede ser utilizado en la escultura, pintura, arquitectura, entre otros, que pueden ser utilizados materiales y técnicas de uno en específico.

Este movimiento también es considerado uno de los más radicales y controvertidos entre el arte moderno y contemporáneo, por lo que muchos artistas e historiadores del arte lo han descartado como arte. Sin embargo, este se basa en la idea o concepto de un artista por lo que se puede acercar un poco más al arte en sí y descartar varias teorías. Algunos artistas conceptuales creen que el arte es creado por el espectador, no por el artista o la obra de arte en sí.

Otro nombre que se le ha dado al arte conceptual es el de information art, software art o idea art y también puede decirse que consiste en la creación artística en la cual lo más importante es el concepto de la obra. Esto permite que se pueda mantener una experiencia estética sin la elaboración artística, o el valor plástico de los objetos, la información y el conocimiento basado en el contenido conceptual desarrollado.

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Según diversos portales web, el arte conceptual posee diversas características:

  • Dado que las ideas y los conceptos son la característica principal del arte, la estética y las preocupaciones materiales tienen un papel secundario en el arte conceptual.
  • Los temas del arte conceptual pueden dedicarse a explorar, atestiguar, cuestionar, criticar o denunciar la realidad actual del entorno social, político o económico.
  • Utiliza la ironía, sátira o la polémica en su forma de manifestación buscando la reflexión y la lectura del concepto artístico.
  • Se reduce la presencia material de la obra, lo que se conoce como desmaterialización del arte, y ésta es una de las características principales.
  • Nació como una reacción contra los principios del formalismo.
  • El arte conceptual es un término muy amplio e incluye varias prácticas artísticas

Historia

Esta corriente artística aparece a finales de los años sesenta con manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas. Entre la idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte componente heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de artículos publicados en 1967 y 1969.

De allí han surgido innumerables movimientos tales como:

  • Video-arte: Este contempla que por medio de él se puede expresar ideas y conceptos bajo un sentido artístico pleno sin importar la calidad en la grabación. El video-arte a su vez se relacionó con otros medios conceptuales como la instalación o el performance.
  • Instalación: Se puede indicar que esto nace gracias a las manifestaciones que formaban parte de un espacio por medio de medios no tradicionales en el arte, pudiendo ser tanto física, como sonora, lumínica, o interactiva.
  • Performance: este tipo de corriente se expresaba mediante el cuerpo sin recurrir a las manifestaciones escénicas tradicionales. Algunos de sus géneros son el Happening, Flashmob, Body Art, Sniggling, etc.
  • Arte-objeto: Este arte pertenece al conjunto de obras que son construidas por medio de la modificación de objetos y materiales sin tener la necesidad de recurrir a los medios tradicionales. Las obras se representan como piezas escultóricas, estatuas o figuras.
  • Ready-made: recolectaba y presentaba cualquier tipo de objetos no artísticos encontrados convirtiéndolos en obras con un sentido artístico.
  • Gráfica alternativa y Collage: normalmente es utilizado dentro de varios medios impresos combinados con otros materiales para dar cuerpo a las obras, por medio de recortes de periódicos, revistas o fotografías formando collages, cuadros o incluso libros de artista

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