2 artistas Latinoamericanos de arte cinético

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Sabemos que el arte cinético es parte de las corrientes artísticas que representan el modernismo, además que esta va avanzando a medida que nuevos artistas van surgiendo (no solo en Venezuela sino en cualquier parte del mundo y en especial, Latinoamérica)

Es por esta razón, que hoy queremos compartirte la vida y trabajos realizados por dos artistas latinoamericanos que ejecutan obras dentro del arte cinético y detallaremos cuál sería el aporte de ellos para este tiempo.

Iván Contreras-Brunet

Iván Contreras Brunet, es un pintor y escultor chileno que nació en la ciudad de Santiago el 19 de febrero de 1927. Como parte de su preparación académica, Contreras- Brunet ingresó a la Escuela de Bellas Artes de Santiago en el año de 1949 donde fue alumno del también artista plástico Gregorio de la Fuente y Marta Colvin.

Para el año 1952 el artista chileno residió en París, donde desarrolló la mayor parte de su carrera y en 1968, fue fundador del grupo Co-Mo, Constructivisme et Mouvement que lo une al trabajo de otros artistas europeos y latinoamericanos como Vantogerloo y Jesús Rafael Soto quienes revitalizaron la tendencia plástica comenzada en 1913 por los rusos Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko. Vivió en Nueva York, Estados Unidos desde 1957 a 1961. Volvió a radicarse definitivamente en París en 1961.

Cabe destacar, que fue el primer chileno en representar a nuestro país en la Bienal de Venecia en 1972. Es miembro del comité organizador del Salón Comparisons que se efectúa en París desde 1955, en el que se muestran obras de las más diversas tendencias que se desarrollan en materia de Artes Plásticas.

El trabajo presentado por el artista presenta relieves y esculturas exentas, las cuales se encuentran colocadas sobre el piso o suspendidas. Hay que destacar que posee una extraordinaria habilidad, para manipular un estilo cinético que se encuentra basado en el doblando, cortando, sobreponiendo o suspendiendo mediante leves ataduras frente a un fondo plano, también enmallado, cuadrados, rectángulos o círculos que parecen flotar.

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Martha Boto

Pintora y escultora argentina que demostró dentro de sus trabajos las distintas variaciones ópticas de la luz y el color, así como del movimiento. Asimismo, Boto fue miembro un miembro de la Asociación Arte Nuevo que fue creada en el año 1955 por el poeta Aldo Pellegrini y por el artista Carmelo Arden Quin. También en el año 1956 formó parte del grupo Artistas No Figurativos Argentinos.

 En 1959 se instaló definitivamente en París donde tomó contacto con el Movimiento Op-art y Arte Cinético. Sus obras cinéticas y ópticas se orientaron a la yuxtaposición de relieves estáticos o móviles, experimentando con el azar, el juego y el movimiento. En 1960 participó de la primera Bienal de París.

 En 1969 realizó su primera exposición individual en la galería Denise René. Sus obras participaron de exposiciones en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid en 2007, en el Museo de Bellas Artes de Houston en 2009 y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en 2012, entre muchas otras.

Su obra está incluida en colecciones públicas y privadas como el Centre Georges Pompidou, Fondo Nacional de Arte Contemporáneo y el Museo de Arte Moderno de París, Francia; el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), la Fundación Torcuato Di Tella y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil; la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia; el Museo de Arte de Tel Aviv, Israel; el Museo de Bellas artes de Houston (MFAH), Texas, USA; entre muchas otras.

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Es importante resaltar que ambos artistas plásticos han aportado en gran manera a esta corriente artística, por lo que su nombre se encuentra en la lista de los mejores exponentes dentro del continente.

La estética dentro del arte cinético

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Cuando estudiamos la belleza de la naturaleza de las obras de arte e involucramos el análisis de la perspectiva a la cual el pintor realizó su trabajo y lo que quería transmitir a través de cada trazo, estructura y simbolismo, podemos indicar que estamos apreciando la estética de la obra (y esto dentro del arte es sumamente valioso).

La estática la podemos definir como el análisis de la naturaleza y la belleza por parte de los individuos, los cuales pueden estar estrechamente relacionado con las artes. Su nombre deriva del latín moderno aestheticus, y también del griego aisthētikós que significa “percepción o sensibilidad” a través de los sentidos.

Cuando se valora una obra de arte como “bella” o “sublime” el crítico debe utilizar sus conocimientos sobre el arte y emitir su juicio estético. A su vez, el concepto de estética ha evolucionado con el tiempo y se han dividido en varias corrientes, algunas de ellas pueden ser los siguientes:

  • La estética clásica: Fue un concepto desarrollado durante la Antigua Grecia, en especial cuando estaban los romanos. Allí se desarrolló el fundamento de las nociones futuras de lo bello en Occidente. Para ellos, lo bello, lo bueno y lo verdadero eran una sola cosa, y su naturaleza tenía que ver con la mesura, la armonía, la justicia y la adecuación al ideal de una época.
  • La estética medieval: Este tipo de corriente nació durante el Medioevo, donde fue una época mayoritariamente religiosa en Occidente, en la que el pensamiento cristiano imperó por encima de los demás. Así, el concepto de belleza tenía que ver con los valores fundamentales cristianos: la fe en Dios, el sacrificio, la pasión y la pureza, o sea, con la moral más que con las apariencias.
  • La estética moderna: Se desarrolló durante el Renacimiento, cuando se rompió con la tradición cristiana y reivindicó lo clásico en el marco de las ideas del humanismo y la Ilustración, para quienes pensaban a la razón como un concepto central. Las ideas de belleza de la época se atribuían a lo planificado, lo estructurado, lo simétrico y lo armónico. Se pensaba a la belleza a partir de la perfección y el orden, sin dar espacio a la extravagancia o la desproporción.
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Bajo este concepto, el arte cinético también se levanta y a su vez crea una percepción de la estética según el color, forma de la estructura y armonía, que juntos hacen un espectáculo para la vista de las personas.

Entre las características propias de la estética, el arte cinético abarca varias que permiten que pueda entrar en armonía, algunas de ellas son las siguientes:

  • Cualidades sensoriales: El arte cinético permite que las personas que lo observen tengan una experiencia sensorial, ya que el artista puede hacer que un objeto sea agradable a los sentidos (por ejemplo, su textura, sus colores, su brillo o su timbre).

Además, estas cualidades se perciben mediante los sentidos y, según quién las experimente, varía el placer que producen. Por ejemplo, si una obra cinética permite que la persona pueda atravesarla, entonces garantiza una experiencia sónica y táctil.

  • Cualidades formales: Esto se encuentra conformado por el modo en que en el objeto se combinan los elementos que lo componen, o la relación que puede percibirse entre ellos. Por ejemplo, dentro del arte cinético se conforma por formas y colores, si estos unidos tienen armonía entonces puede tener este tipo de cualidades.
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  • Cualidades vitales: Refieren al contenido existencial o vivencial de un objeto, es decir, a las ideas que evoca, a los sentimientos que transmite o a las vivencias que recupera. Un ejemplo de ello, es cuando los artistas reflejan parte de su historia o experiencias en cada obra.

Elías Crespín: Nueva era del arte cinético

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Muchos son los artistas latinoamericanos que se han destacado dentro del arte cinético. Carlos Cruz Diez, Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero, entre otros, han abierto paso con el tiempo a la generación de relevo dentro de este estilo de arte, dando la pauta en cuanto a color, movimiento y creatividad. Entre los exponentes de esta nueva generación se encuentra Elías Crespín.

Este artista venezolano empezó a escucharse desde el 2020, cuando el 25 de enero presentó una obra de arte cinético es ahora parte de la colección permanente del Museo del Louvre, dando así mucho de qué hablar.

Es considerado el primer artista latinoamericano en tener una obra en este museo y lo más resaltante es que sus obras se han desarrollado principalmente en el exterior, aunque al inicio de su carrera expuso en algunas galerías y museos del país.

Este artista nació en el año de 1965 en Caracas (Venezuela), y estudió ingeniería informática. Aunque usted no lo crea, por sus venas corre sangre artística ya que es nieto de Gego y Gerd Leufert, además de ser hijo de matemáticos, cosa que le agrega un plus significativo dentro de su arte.

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Durante su desarrollo artístico pudo tener contacto con artistas, amigos de sus abuelos, y haber atestiguado sus procesos creativos deben haberlo impactado de alguna manera. Su primera obra fue Malla Electrocinética I (2004), la cual le tomó dos años de trabajo. Conjugar sus dos universos de pertenencia, el arte y la informática, han hecho que produzca obras que en esencia son una reflexión matemática sobre el movimiento.

En el 2018, Crespin fue comisionado por el Museo del Louvre, para el cual desarrolló “L’Onde du Midi” (2020), una escultura móvil a gran escala en la cual 128 cilindros de metal penden de cables de nailon conectados a motores programados que generan movimiento de manera algorítmica.

Las ondulaciones y transformaciones de la pieza crean una coreografía cuyo motivo son las líneas y planos de la arquitectura del museo, materializando la abstracción de las continuidades formales entre la obra y el espacio. La investigación de Crespin concierne al tiempo, la forma y el movimiento; no como elementos cinéticos atados a la estética, sino como elementos matemáticos vinculados al análisis y a la programación.

Sus obras han sido expuestas en varias exposiciones internacionales individuales y colectivas entre las que destacan, la Exposición Internacional en Astana; la XIII Bienal de Cuenca; la Bienal de Busan Corea en; el Grand Palais; la Maison de l’Amérique Latine; el Musée de la Musique de París; el Musee de Louvre; la Fondation Boghossian; la Verrière Hermès de Bruselas; The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH); y el Ullens center for contemporary art en Beijing.

La obra

L’Onde du Midi pertenece a la categoría de «Plano Flexionante», está formada por 128 tubos cilíndricos alineados paralelamente, suspendidos en el aire por hilos transparentes, que constituyen un plano horizontal rectangular de casi diez metros de largo (1,50 x 9,50 m) cuando está en reposo. Al accionarse en el espacio, alcanza una amplitud de 3 a 4,50 metros de alto, al ritmo de secuencias establecidas mediante algoritmos numéricos.

Esto sin duda representa una especie de “coreografía ondulatoria”, en donde la linealidad mecánica está ausente, privilegia la lentitud y favorece la contemplación. Frente a ella, el espectador se ve sumergido en una danza lenta y grácil de formas infinitas e impredecibles.

Su configuración espacial es aleatoria y nos sorprende continuamente, a través de formas que se expanden, aplanan y difractan; pasando del orden al caos, de lo simple a lo complejo. Asimismo, la escalera meridional se transforma así en el escenario de un silencioso ballet, brindando al visitante un alto en el camino y una vista espectacular. 

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Todo sobre el arte contemporáneo

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Formas, luces, movimiento, ilusión y experiencia sensorial es parte de lo que involucra el desempeño del arte contemporáneo en el mundo, puesto a que la misma abarca las formas de arte dentro de nuestra era, las cuales son producidas e interpretadas como un reflejo de la sociedad actual a partir del siglo XX.

Aunque creamos que el arte contemporáneo es fácil de entender, este se trata de un concepto difícil de acotar y cuyos límites varían enormemente dependiendo de a quién se le consulte, a punto tal que para muchos no existe realmente una distinción entre arte moderno y arte contemporáneo y esto se basa principalmente en su raíz.

Para algunos estudiosos del arte,  lo moderno es propio del siglo XIX y primera mitad del XX, dejando lo contemporáneo para finales del XX e inicios del XXI. Pero no existe consenso al respecto, pues en el fondo se trata de delimitaciones estéticas y no cronológicas.

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El arte contemporáneo, entonces, se podría definir dentro de una línea de tiempo de mediados y finales del siglo XIX por los ciertos rasgos estéticos y ciertas preocupaciones filosóficas de su momento. Por eso algunos prefieren incluso utilizar el término “postmoderno” para referirse a lo estrictamente contemporáneo.

En todo caso, el arte contemporáneo es una categoría amplia y complicada que engloba las manifestaciones artísticas y los estilos artísticos más recientes de la humanidad, y es propio de la sociedad industrial y postindustrial (o digital).

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Entre sus características resaltan las siguientes:

  • La experimentación y lo nuevo son un valor en sí mismo, sobre todo en lo que a nuevas técnicas y nuevos materiales se refiere, lo cual incluye hacia finales del siglo XX la aparición del arte digital y el aprovechamiento de las nuevas tecnologías.
  • Se resignifican muchos de los elementos centrales de la tradición artística, a menudo de manera irónica.
  • Se abandona lo figurativo y se abraza la abstracción, la figura geométrica, la línea y el caos como métodos expresivos posibles.
  • La reflexión sobre la naturaleza del arte y del artista es constante, y eso abarca también los espacios de legitimación como museos, instituciones, etc.
  • Se cruzan las fronteras entre géneros, apuntando a un arte híbrido, mestizo, indeterminado.

El arte cinético entra en este tipo de corriente, ya que aporta renovación, modernismo y elementos que pueden ser centrales como tradicionales.

Recordemos que el arte cinético es un movimiento artístico el cuál se desarrolló por primera vez en 1920, y que consiste en que las obras tienen algún movimiento o parecen tenerlo, por lo que suelen interactuar con elementos en el “exteriores” como pueden ser el viento o el agua; algunos tipos de motores; e incluso la luz o el electromagnetismo.

Dentro de esta corriente artística se puede a su vez clasificar en tres tipos de estructuras que se observan dentro del arte cinético, como lo son:

  • Los estables: este tipo de obras tienen un carácter fijo, lo que permite que el espectador pueda rodear la obra y percibir en diferentes ángulos el movimiento.
  • Los móviles: por su parte, las obras móviles producen un movimiento real, y por tanto van cambiando su estructura constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada instante nace una obra distinta.
  • Los penetrables: Son obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el productor de movimiento.

Entre las características del arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero también en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.

Por lo general, los materiales utilizados para realizar obras cinéticas deben ser fáciles de manipular, de cambiar su forma y que aporten dinamismo. Los más comunes son el acero, el metal o la madera, y son accionadas mediante mecanismos impulsados por agua o por alguna fuerza motriz.

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Arte tridimensional: concepto, características y tipos

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Cuando un artista plástico realiza obras de arte que tengan alto, ancho y largo podemos afirmar que esta obra tiene características de ser un arte tridimensional y explicaremos de qué se trata esto.

El arte tridimensional consiste principalmente en lo expresado anteriormente, que es una obra donde se puede observar lo alto, ancho y largo de la misma, y que, en comparación con el arte bidimensional, este ya tenía presencia desde la antigüedad donde se observaban esculturas y edificaciones artísticas propias de la época.

Esta representado por formas que pueden ser geométricas y orgánicas, las cuales pueden ser apreciadas desde cualquier ángulo o perspectiva, a diferencia de las obras de arte bidimensionales, que solo pueden ser vistas de frente y esto es parte de las características que pueden presentar el arte cinético, ya que el espectador la puede observar de diferentes ángulos.

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Dentro de estas obras de arte existen diversas técnicas que se aplican para darle el “toque especial” que marcará la diferencia. Por ejemplo, dentro de las técnicas tridimensionales, las obras de arte son de carácter Plásticas-Escultóricas, esto quiere decir que tienen tres dimensiones: Largo, Alto y Profundidad; la Profundidad es limitada entre la pared o superficie de fondo y el primer plano o superficie de la Obra se le llama “Relieves”.

Entre los materiales más utilizados para la creación de obras tridimensionales se encuentran la forma de tallas (piedra o madera), modelado (arcilla, cera), fundición y soldadura. Estas por lo general tuvieron una presencia fuerte durante los primeros años y siglos de la civilización, ya que en la prehistoria el hombre modeló objetos de arte con fines mágico-religiosos, y como herramientas de trabajo y defensa.

Los primeros objetos de arte prehistórico fueron creados en el Paleolítico inferior. El hombre fabricó flechas (bifaz) y cuchillos de sílex utilizando otras piedras; con estos utensilios podía defenderse. Estos instrumentos también le permitían cazar, descuartizar y cortar la carne de los animales.

Asimismo, también dentro del arte tridimensional se puede observar la producción de figuras abstractas o figurativas, como el huecograbado, el relieve o la ronda. En la arquitectura los primeros monumentos de piedra construidos por las sociedades primitivas son los antecedentes más lejanos del arte tridimensional.

Dentro del arte cinético, el arte tridimensional es muy evidente, por eso artistas venezolanos como Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, entre otros, implementan este tipo de expresión. Por esta razón, te compartimos 3 obras plásticas que demuestran los principios del arte tridimensional dentro del arte cinético:

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La Esfera de Soto

En el distribuidor Santa Cecilia de la autopista Francisco Fajardo se encuentra esta obra de arte, creada en 1996. También conocida como la Esfera de Caracas, está conformada por 1800 varillas de aluminio, que representa una repetición de líneas que se pueden apreciar en 360º.

Actualmente es un símbolo capitalino y muchos caraqueño la visitas para realizar fotos, videos o disfrutar del paisaje.

Cubo virtual con progresión amarillo

Esta obra fue realizada como camuflaje de un ducto de ventilación de la estación Metro Chacaíto, es una obra a escala urbana, que se puede percibir como dos piezas separadas, pero están integradas por la continuidad del espacio, entre la parte externa (Plaza Brión) y la parte interna de la estación (mezzanina de la estación Metro Chacaíto).

El cubo suspendido está formado por varillas azules y negras en el aire. Además del efecto visual, se complementa con el sonoro, debido a que las varillas generan un sonido al ser movidas por el aire.

La progresión amarilla está formada por varillas amarillas en líneas de menor a mayor, creando una prisma triangular virtual.

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Penetrable Azul

Esta es una obra que requiere la participación del espectador. Se encuentra en el museo Chateau Lacoste, en Francia. Esta es una de las muchas versiones que el artista ha realizado para conectar con las personas sin importar región y edad, debido a que su arte es universal.

En Venezuela, también hay versiones de Penetrables, donde las personas van a realizar fotos y videos creativos, generando una experiencia única para compartir con familiares y amigos.

Jesús Rafael Soto, fue y es una artista innovador que impacto con su arte a las sociedades del mundo, una nueva visión del cinetismo interactivo para los amantes del arte y enamorar a quienes visiten sus obras.

Arte gótico: arte más teología

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Al igual que otras corrientes artísticas que se desarrollaron durante la Europa de 1100, el arte gótico representó la unificación del arte con una nueva teología que comenzó a surgir en el viejo continente y que muchos consideran un arte “oscuro” para lo que se estaba acostumbrando en décadas anteriores.

Bajo este contexto nace el arte gótico. Este se caracteriza por tener una estética de la luz sobre todas las cosas, en donde se manifiesta el humanismo teocéntrico que dio paso al antropocentrismo renacentista. Normalmente el arte gótico predominó en la arquitectura religiosa, escultura y pintura de Europa entre el siglo XII y el siglo XV, hasta el surgimiento del movimiento cultural del Renacimiento. Lo precedió el arte románico (siglo XI y XII).

Como un dato curioso, el término gótico fue designado de manera despectiva por los escritores italianos clasicistas del Renacimiento, quienes consideraban a todo lo que no era clásico como una fealdad.

A esto también se le atribuía que el arte gótico también se puede acercar a las manifestaciones de arte que las tribus bárbaras que habían destruido al Imperio romano y su cultura clásica del siglo V d. C. El arte gótico fue valorado recién a partir del siglo XIX d. C. y fue considerado grandilocuente e imponente.

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Entre las características que posee el arte gótico se encuentran:

  • Posee el principio de la estética de la luz como un fundamento de todo arte. Dentro del arte gótico esto fue capaz de representar la idea teocentrista de la luz de Dios.
  • Su aplicación más fuerte se encuentra en la arquitectura religiosa, como monasterios y catedrales.
  • El uso del arco ojival que terminaba en forma apuntada y generaba sensación de gran altura. Se aplicaba para las cúpulas, puertas y ventanales.
  • La aplicación de innovadoras técnicas de arquitectura que permitieron alcanzar el estilo único de techos altos, arcos arbotantes y extensas paredes de vitrales.
  • Dentro de su diseño predomina las formas extravagantes aplicadas tanto en la escultura como en la decoración arquitectónica.
  • La decoración con materiales brillosos y el uso de colores vivos, para exacerbar el concepto de luminosidad.
  • La aplicación de extensos ventanales de colores que reflejaban diferentes tipos de luz hacia el interior de las catedrales y monasterios.
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Como hemos indicado anteriormente, el arte gótico puede evidenciarse más en la arquitectura donde se desarrolló la máxima expresión del mismo, el cual estuvo basado en el concepto de la luz como fundamento y símbolo de la divinidad.

Además, los elementos de la época con estética gótica resultaron símbolo de la espiritualidad. En la arquitectura se sumó, además, el desarrollo de nuevas técnicas sofisticadas para exacerbar el concepto teocentrista, como:

  • Las bóvedas de crucería: Consistían en un tipo de techo conformado por un sistema de bóvedas entrecruzadas que, a su vez, eran atravesadas por arcos ojivales o de terminación en punta. Este sistema resultaba de soporte para distribuir el peso de la estructura hacia los pilares.
  •  Los arcos arbotantes: Consistían en un medio arco construidos en la parte externa de la edificación y que se apoyaban en los muros laterales. Resultaban una guía de soporte de las bóvedas interiores.

Por otra parte, La pintura gótica fue reconocida como tal a partir del siglo XIV. Y en ella se destacó en las obras religiosas para representar a Cristo, los santos, los ángeles y las vírgenes, figuras que se empleaban para decorar las imponentes construcciones arquitectónicas. Se considera a la pintura gótica como una representación de las narraciones de la Biblia y los Evangelios.

Entre las principales características de la pintura gótica se destacan:

  • Las técnicas de los murales en fresco, la pintura sobre tabla, el temple y el óleo.
  • La representación de la luz y los juegos de contraluces que generaban la sensación de volumen y realismo.
  • Las mejoras en las técnicas de la perspectiva.
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3 artistas del arte cinético

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El arte cinético ha evolucionado a medida que pasa el tiempo y ha generado una serie de artistas que han aportado un grano de arena a la construcción de este arte como lo conocemos actualmente. Dejando a un lado las limitantes de la época e inyectándole dinamismo, modernismo y mucho color a cada obra.

Por eso, te presentamos tres artistas plásticos europeos importantes que aportaron al crecimiento del arte cinético en el mundo:

Fue un pintor francés el cual perteneció al movimiento del arte conceptual y formó para el año 1967 el movimiento artístico que bajo las siglas BMPT se presentó en la capital francesa en 1967. Tras finalizar sus estudios secundarios Buren se matriculó en la Ecole Nationale Supérieure des Métiers d’Art de París y consiguió el título de licenciado en Bellas Artes en la especialidad de pintura en 1961.

Para el año de 1966 su amistad con los artistas Olivier Mosset (1944), Niele Toroni (1937) y Michel Parmentier, fue de gran importancia e influencia, tanto que esta unión ayudó a la creación del grupo BMPT. Este grupo se encontraba fuertemente influido por el Situacionismo propagado por Guy Debord en su libro “La sociedad del espectáculo”, y el cual propugnaba una interactividad entre el individuo y su entorno.

Su primera exposición conjunta se inauguró el 3 de enero de 1967 con motivo del XVIII Salón de Pintura Joven de París. Los cuatro artistas presentaron varios lienzos que tenían en común la sobriedad formal y su gran formato. Para cuestionar, tanto su obra como el certamen en el que se exhibía, al día siguiente de la inauguración, Buren, Mosset, Parmentier y Toroni descolgaron sus lienzos para, según ellos «desolidarizarse de manera definitiva de todos los salones parisienses».

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  • Jean Tinguely

Fue uno de los artistas más originales del siglo XX,  ya que su trabajo se centró en el movimiento expresado en términos futuristas dando vida a objetos cotidianos. Juntos como un solo ser hizo robots impulsados por la «mecánica del azar».

Tinguely fue un pintor Suizo que desde temprana edad comenzó sus estudios como decorador y entró en la Escuela de Artes Aplicadas de Basilea. Allí conoció a su primera novia, Eva Aeppli, y realizó sus primeras esculturas de metal como Stabilé II (c. 1948). Desde el principio, la influencia de Alexander Calder, Vassilij Kandinsky se hizo evidente en su trabajo.

En 1955, Tinguely participa en la primera exposición sobre arte cinético de la Galería Denise René. También se incluyeron en la muestra las obras de Alexander Calder, Marcel Duchamp y Victor Vasarely. En 1959, Tinguely inaugura la serie Meta-Matics: esculturas mecánicas que dibujan por sí mismas y funcionan con gasolina. Se exhibieron varios modelos en la Galería Iris Clert, así como una versión monumental durante la primera Bienal de París, bajo el asombro de André Malraux.

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Vásárhelyi Győző, rebautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se basa en jugar con nuestros ojos para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda suerte de ilusiones ópticas.

El artista plástico comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero eso no era lo suyo. Se interesó más bien por el arte abstracto de Mondrian y Malévich, gente muy interesada por lo que la geometría podría aportar al arte.

Vasarely llamó a todo esto cinética visual (cinétique plastique) y se basaba en la percepción del espectador que al final, se considera el único creador de la obra. O más bien el ojo del espectador, un miembro del cuerpo humano muy fácil de engañar.

El arte de Vasarely es pues un timo, una estafa, un engaño. Un engaño en el buen sentido de la palabra, si es que la palabra tenía buen sentido. Al menos Vasarely se lo dio.