Arte Cinético |

mayo 14, 2022mayo 14, 2022

Conoce el móvil de Calder

Los móviles de Calder son una escultura cinética con movimiento que fue creada por el artista y escultor Alexander Calder que por lo general cuelga del techo (los que no cuelgan, se llaman “standing mobile”, algo así como “móvil de pie”). Estos móviles están compuestos por piezas que suelen tener formas abstractas, y son movidos por un motor o simplemente por las corrientes de aire.

Entre los datos curiosos que pueden tener esta obra se encuentra que esta escultura animada fija nuestra atención y estimula nuestra imaginación de las personas que la observan, y aunque en la actualidad numerosas marcas comerciales utilizan el principio del móvil de Calder para sus campañas publicitarias. En Lieja, la ciudad belga junto al Mosa, existe un móvil de Calder, cuyos movimientos están coordinados con unos juegos de luz y de música.

Es importante que sepamos que Alexander Calder fue un ingeniero y escultor estadounidense que durante su carrera artística se trasladó a París en los años 20 y comenzó a crear figuras de animales en madera y alambre.

Conoce el móvil de Calder - Claudio Antonio

A medida que fue pasando el tiempo pasó de algo simple hasta llegar a la abstracción, donde descubrió que ganaban en dinamismo si se movían en realidad. Es allí donde nacieron sus innovadores móviles o chupin (juguetes móviles colgantes), que acabarían por ser el germen de la escultura cinética.

Sus móviles (bautizados así por Marcel Duchamp) eran complejas estructuras de formas orgánicas abstractas, que por lo general se encuentran suspendidas en el aire, donde se balancean de forma suave y armónica. El movimiento rotatorio, casi imperceptible, consigue que las piezas de esas esculturas van cambiando de forma, haciendo infinitas esculturas de una sola.

A su vez el artista se interesó por las sombras que proyectaban sus móviles, tan cambiantes como la pieza en sí, por lo que empezó a cuidar la iluminación de los espacios expositivos. Además, otro factor interesante y novedoso fue el sonido, y lo tuvo en cuenta en sus obras, ya que estas estructuras chocaban unas con otras.

Una influencia básica en su obra, además de Arp, fue la de Mondrian, artista que le causó un gran impacto por su serena sencillez y sus colores puros. A modo casi de homenaje, Calder apenas se sirvió de colores en su obra. Negros y blancos fueron sus favoritos, con el añadido ocasional de los tres primarios y un par de secundarios. Sin duda esta obra artística ha transcendido en el tiempo y aún se mantiene vigente.

abril 25, 2022abril 25, 2022

Cualidades del movimiento en el arte

El movimiento se puede definir de diferentes maneras según la óptica en el que se ve. Por ejemplo, dentro de la física el movimiento es un cambio de posición que experimenta un cuerpo en el espacio en un determinado período de tiempo. Todo movimiento depende del sistema de referencia desde el cual se lo observa.

Por otra parte, dentro de la mecánica cuántica se puede describir el movimiento dentro de las leyes del comportamiento de partículas subatómicas con velocidades cercanas a la de la luz. Por último, el movimiento de cuerpos sujetos a fuertes campos gravitatorios, se estudia en el marco de la relatividad general.

Sin embargo, el movimiento dentro del arte tiene una visión completamente diferente, puesto a que dentro de las artes visuales, específicamente en la producción bidimensional, el movimiento, o para ilustrarlo de una mejor manera, la sensación de desplazamiento y actividad, es un elemento compositivo auxiliar representado mediante elementos relativos a la perspectiva, estructura, posición e interacción de figuras, dirección y secuencialidad.

En este sentido el movimiento, se mantiene sumido a la jerarquía total dentro de una obra artistica, puesto que en ella priman por sobre todo el color y las formas; pero en el caso de otras artes el movimiento, en cuanto es de orden físico y óptico, es base estructural de la creación.

Muchos artistas a lo largo del tiempo han estado conscientes de esta cualidad y la representan dentro de una pintura u obra de arte. Algunos artistas intentan romper la inmovilidad, ya sea incorporando mecanismos móviles al soporte plano, o bien, experimentando con la teoría del color y la composición geométrica, como el Op Art, que genera sensaciones de movimiento desde la pintura, por lo cual éste existe exclusivamente en el ojo del espectador.

Cualidades del movimiento en el arte - Claudio Antonio

Existen muchas corrientes artísticas que han introducido el movimiento dentro de sus obras de arte, tal es el caso del arte cinético, el cual mezcla no solo el color y la forma sino le da al espectador una dosis de movimiento y perspectiva que hace que cada obra sea un verdadero espectáculo.

Otra representación que podemos argumentar de la inclusión del movimiento se puede remontar desde las primeras obras de arte como las pinturas rupestres de La cueva de Altamira, donde observamos cómo se representaba a los animales con más patas o cabezas de las correspondientes, creando así la sensación de que este está corriendo, moviéndose.

También durante el Renacimiento se retoma la importancia griega de representar el movimiento, a veces el generado por los fenómenos atmosféricos o mediante una mayor atención y estudio de la anatomía humana. Obras como El nacimiento de Venus de Sandro Boticceli (1485–1486) nos muestran dinamismo.

Sin duda alguna, el movimiento también a lo largo de la historia se ha convertido en un factor determinante para que el arte tome su lugar en el mundo.

abril 5, 2022abril 5, 2022

3 artistas europeos del arte cinético

El arte cinético ha sido muy popular no solo en Venezuela, sino en también en grandes partes del mundo, por lo que ha dejado grandes exponentes de este arte. Europa es una gran galería para explorar este tipo de corrientes artísticas. Por esta razón te compartimos tres artistas emblemáticos del arte cinético dentro de Europa que debes conocer.

Yaacov Agam

Su carrera artística comenzó en su adolescencia, en 1940, tras descubrir la pintura de Van Gogh. Posteriormente fue descubriendo a los grandes maestros (Rembrandt) y a los artistas del XIX (Chaïm Soutine, Honoré Daumier o Gustave Doré). Luego de finalizar la Segunda Guerra Mundial, comenzó para el año de 1946 sus estudios de arte en la Academia de Artes y Diseño de Bezabel, Jerusalén.

Durante el año de 1953 realizó su primera exposición individual, y en 1955 participó en la primera exposición internacional de arte cinético, que tuvo lugar en la galería Denise René de París. A partir de este momento, y adscrito siempre a este movimiento, se sucedieron las exposiciones y los premios.

3 artistas europeos del arte cinético - Claudio Antonio

Alexander Calder:

Fue un ingeniero y escultor que se trasladó a París (Francia) en los años 20 para no solo crear figuras sino conocer más del arte en movimiento.

Entre sus primeros trabajos fue el crear animales con madera y alambre, pero poco fue transformando su técnica hasta el punto de simplificarla y llegar finalmente a la abstracción, donde descubrió que al utilizar esta técnica ganaba dinamismo en sus obras, ya que las mismas se movían en realidad, naciendo sus innovadores móviles o cómo se le conocía en ese momento chupin, siendo esto una pequeña semilla para la escultura cinética.

Otra de las cosas que implementó el artista es que a través de sus obras se podía observar las sombras que proyectaban sus móviles, siendo estas tan cambiantes como la pieza en sí, por lo que Calder empezó a cuidar la iluminación de los espacios expositivos. Además, otro factor interesante y novedoso fue el sonido, y lo tuvo en cuenta en sus obras, ya que estas estructuras chocaban unas con otras.

Victor Vasarely

Fue un artista de origen húngaro afincado en Francia, el cual es considerado como el padre del op art o arte cinético. Durante su vida se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp.

Anodado a esto, Vasarely se desempeñó en la pintura, lo cual se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.

marzo 9, 2022marzo 9, 2022

Minimalismo + arte cinético: desde lo básico

El minimalismo dentro del arte consiste en colocar las diferentes formas que se encuentran reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde el punto de vista morfológico. Lo importante dentro de este tipo de arte es su totalidad, no la relación entre sus partes o composición. El todo es más importante que las partes.

Como dato histórico, el minimalismo cobró fuerza en los años 60 y 70 en Estados Unidos, específicamente en Nueva York, y no fue sino hasta 1965 cuando el filósofo Richard Woheim utiliza el término minimal para a este tipo de arte.

Por otra parte, el arte minimalista niega toda función asociativa, el cual no expresa nada, no hace sentir nada, remite solamente a la obra misma. Para los artistas, la obra que se presenta tenía que estar despojada de toda reminiscencia emocional, sin contenidos e ideales de formación propios de la cultura burguesa.

Minimalismo - arte cinético - desde lo básico - Claudio Antonio

Uno de los artistas que comparte este tipo de visión en Piet Mondrian, el cual perteneció al movimiento De Stijl y el neoplasticismo, evolucionó hacia la abstracción y sus pinturas son minimalistas. Estaba interesado por la teosofía de Blavatsky, buscaba un conocimiento esencial más allá de lo empírico, esa búsqueda de la estructura básica del universo le hizo repudiar las características sensoriales de la textura y la superficie, las curvas y el arte figurativo, utilizando colores primarios y la abstracción para indagar en lo absoluto.

Ahora bien, ¿cómo se involucra el cinetismo o el arte cinético en las obras de arte minimalistas? Normalmente se puede observar dentro de las galerías de arte, donde puede aparecer una obra de arte minimalista con tonos neutrales, pero el artista le agrega profundidad y movimiento, allí entra en acción el minimalismo.

También el espacio de la exposición puede llamar la atención sobre sí mismo, ya que en muchas ocasiones por su gran neutralidad o por el contraste que establece con las obras hacen que estas cobren vida por si solas; otras veces es fondo evidente y buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl Andre. En otras ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la conciencia perceptiva por ella.

De tal manera podemos decir que toda obra de arte modifica más o menos que pueda alterar la percepción del espacio circundante, pero que a su vez tenga un estilo minimalista, lo hacen intencionadamente como parte de su contenido. La conexión entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto. En definitiva, el espacio es en el Minimalismo el lugar en el que se produce el encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra.

marzo 4, 2022marzo 4, 2022

Constructivismo: arte desde lo básico

Se conoce como constructivismo aquel movimiento artístico y arquitectónico que es considerado de vanguardia, el cual nacido en Rusa, pocos años antes de la revolución bolchevique. Este concepto artístico fue desarrollado por Tatlin entre 1913 y 1914 a partir de su vinculación con Picasso y los cubistas.

En tal sentido, el constructivismo fue el resultado de experimentos realizados con diversos materiales en el espacio real por lo que su evolución dio paso años después al arte cinético. Con respecto a los materiales usados, los mismos fueron explorados por fueron la madera, el alambre, trozos de cartón y chapa metálica.

A diferencia del suprematismo, otro movimiento abstracto, el constructivismo pretendió dejar de lado los recursos ilusorios, esto debido a su vinculación con los postulados del comunismo ruso, los constructivistas rechazaban el concepto de arte de salón, reducido a los pequeños grupos de apoderados, y pretendían alcanzar un nivel colectivo acorde con los principios de la nueva ideología soviética.

Como el movimiento este empiezó a dejar de lado la intención de proyectar la razón o el valor de un sólo objeto dentro de cada obra, y empieza a generar la sensación de que es el elemento quien se integra con el espacio.

Constructivismo: arte desde lo básico - Claudio Antonio

Características del Constructivismo:

En primer lugar, el constructivismo como movimiento artístico puede ser utilizado principalmente con el objetivo de difundir y propagar mensajes revolucionarios a partir de propagandas, carteles, ilustraciones, fotografías, entre otros medios.

Por otra parte, este arte toma un predominio marcado por manejar la tridimensionalidad, motivos de carácter abstractos, formas y figuras geométricas y líneas inclinadas.

Algo catracteristico de este movimiento también enfatizó en el uso de colores en específico, como por ejemplo: el azul, el rojo, el amarillo, el blanco, el naranja y el negro, los cuales permiten que se haga un constantes alusiones a elementos que simbolizaban el progreso, las formas pesadas y las tonalidades basadas en los colores anteriores.

El constructivismo expone una obra que está en comunicación con el espacio y el ambiente que rodea la pieza, cuenta con una estructura que se percibe como el espacio para materializarse e integrarse con el elemento. Con frecuencia se puede observar que los elementos tienen especialmente formas geométricas, son planas, son líneales y a veces transparentes, enfatizando en su intención.

Este movimiento sin duda impulso y dio pie a la creación del arte cinético en el mundo, ya que recordemos que este movimiento artístico que se ha caracterizado por utilizar colores llamativos como el azul, rojo, verde y amarillo en sus obras colocando un sello en cada representación artística, haciendo que la misma no pierda valor en el tiempo y espacio.

febrero 23, 2022febrero 23, 2022

3 museos con arte cinético en Venezuela

Los museos son considerados lugares donde el arte se hace evidente en su máxima expresión, además las personas pueden conocer espacios, entender el mensaje que quiere dar el artista con cada obra, y porque no, también interactuar y ser parte de la experiencia creativa.

Basándonos en eso, existen diversos museos en Venezuela que ofrecen una experiencia única dentro del arte cinético, donde los visitantes podrán ver el movimiento de las obras, observar texturas y ver la importancia del color en cada muestra. Por esta razón compartimos tres museos que posiblemente te pueden gustar y que te van a dar ganas de visitar.

Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz Diez

Este museo es uno muy poco conocido que se encuentra ubicado en la ciudad de Caracas. A pesar de ser toda una «joya» no es muy grande, pero tiene muchas obras muy interesantes que sin duda cautivan al público asistente porque tienen una exposición permanente y otras itinerantes.

El museo fue inaugurado en el año de 1997 para exhibir obras de Carlos Cruz Diez y otros artistas modernistas. Como parte de un tour “escrito”, podemos decir que en la planta baja, se presentan exposiciones temporales, que se renuevan periódicamente. En el piso superior, está la sala de exposición permanente «Atrapando el Color».

En la parte de Arriba, existen dos vistas de la misma obra, por lo que el visitante podrá tener la posibilidad de tener dos visiones muy distintas. Y eso es lo que hace admirable la obra de Cruz Diez, una obra que cambia con el ángulo desde el cual se mira.

Claudio Antonio- 3 museos con arte cinético en Venezuela

Museo de Arte Contemporáneo de Caracas

El Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Sofía Imber, fue fundado en el año de 1973. Cuenta con dieciséis mil metros cuadrados en espacios se exhibe una colección permanente que ya se acerca a las tres mil obras.

Desde su creación hasta ahora, la trayectoria de esta institución ha logrado acopiar una colección impresionante de obras de arte de artistas venezolanos y extranjeros cuya producción se enmarca en el período posterior a la II Guerra Mundial.

El edificio de este Museo se ha caracterizado por el reciclaje arquitectónico. Sus sucesivas ampliaciones respondieron a su particular punto de enclave: el complejo urbanístico Parque Central. Concebido inicialmente como un espacio para exposiciones con pocas salas, se fue ampliando poco a poco en la medida en que la colección crecía y las actividades del museo aumentaban.

Museo Alejandro Otero

El Museo Alejandro Otero, MAO (llamado anteriormente Museo de Artes Visuales Alejandro Otero, MAVAO), nace a partir de una colección que había sido atesorada por el Instituto Nacional de Hipódromos de Venezuela. Llamándose posteriormente como Museo de Arte La Rinconada, y en 1983 es inaugurado un edificio en los alrededores del Hipódromo, obra de los arquitectos Pedro Mendoza y Hugo Dávila.

Dentro de su colección de obras reúne piezas de artistas contemporáneos venezolanos como Nan González, Diana López, Paloma Navares, Lole de Freitas, Miguel Ángel Ríos, Gerardo Suter, Alexander Apóstol, entre otros, y por supuesto, de Alejandro Otero.

febrero 9, 2022febrero 9, 2022

Albert Gleizes: pintura y movimiento

El cinetismo, como ya lo hemos explicado en ocasiones, no solo se puede detallar en esculturas, también en la pintura puede existir una gran influencia de esta corriente artística. Muestra de ello es el pintor francés Albert Gleizes quien en el año 1881-1953, describió la filosofía creativa cinética.

Gleizes es considerado como un filósofo ideal de las artes que desarrolló su trabajo a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en Europa, y específicamente en Francia, donde nació.

Entre sus teorías y tratados de 1912 que hablaban del cubismo le dieron una reputación reconocida en cualquier discusión artística, por lo que su reputación le permitió actuar con una considerable influencia al apoyar el estilo plástico o el movimiento rítmico del arte en los años 1910 y 1920.

Asimismo, el pintor francés publicó una teoría sobre el movimiento, la cual se articuló dentro de sus teorías sobre los usos psicológicos y artísticos del movimiento en conjunción con la mentalidad que surge al considerar el movimiento. En tal sentido, afirmó repetidamente en sus publicaciones que la creación humana implica la renuncia total a la sensación externa. Eso para él es lo que hace que el arte sea móvil cuando para muchos, incluido Rodin, es rígida e inamovible.

Albert Gleizes: pintura y movimiento - Claudio Antonio

Cabe destacar, que Gleizes hizo hincapié en la necesidad de que el arte tuviera un ritmo, ya que Para él, el ritmo posee un significado que involucra la coincidencia visual que debe ser agradable de las figuras en un espacio bidimensional o tridimensional.

Explicó que las figuras deben espaciarse matemáticamente o sistemáticamente para que parezcan interactuar entre sí y que las figuras tampoco debería tener características que sean demasiado definidas por lo que se necesitan tener formas y composiciones que son casi confusas, y desde allí el espectador puede creer que las figuras se están moviendo en ese espacio confinado.

Hay que recordar que las pinturas, esculturas e incluso obras planas de artistas de mediados del siglo XIX se debían mostrar cómo las figuras podían transmitir al espectador que había un gran movimiento contenido en un cierto espacio. Como filósofo, Gleizes también estudió el concepto de movimiento artístico y cómo eso atraía al espectador. Gleizes actualizó sus estudios y publicaciones durante la década de 1930, justo cuando el arte cinético se estaba haciendo popular.

Entre su trabajo podemos destacar los siguientes aspectos:

Como parte de su primera etapa abarca obras realizadas entre los años 1901 y 1909, en las que se inspira en el impresionismo y el simbolismo social.
Siguió pintando mientras servía en el ejército francés entre 1903 y 1905 exponiendo dos pinturas en el Salon d’Automne, una exposición anual de artistas independientes en 1904.