Qué es un movimiento lumínico

Dentro de las obras de arte cinético, normalmente existe una fusión entre el movimiento y el color, haciendo de cada obra un espectáculo que capta todos los sentidos. Si a esto le agregamos luces, entonces podemos decir que estamos también ante un movimiento lumínico que se complementa dentro del cinetismo. Para entender un poco sobre esto, sigue leyendo este artículo.

La energía lumínica o energía luminosa se puede definir como una energía transportada y compuesta por las ondas de la luz, que no es más que un tipo de radiación electromagnética, compuesta por partículas llamadas fotones.

Normalmente la luz se encuentra dentro de una franja del espectro electromagnético que nuestros ojos son capaces de detectar. Además, existe la luz visible que está entre las zonas infrarrojas y ultravioletas del espectro, tiene un rango particular de frecuencias, longitudes de onda y energías.

Es importante destacar que la luz se transmite a través de materiales o incluso en el vacío, ya que es una forma de radiación por eso argumentamos que la luz dentro del arte cinético lo complementa a la perfección. La partícula elemental asociada a la luz se denomina fotón y como tal se comporta a la vez como materia y como onda.

 Qué es un movimiento lumínico -Claudio Antonio

En tal sentido, la energía lumínica está íntimamente relacionada con la cantidad de luz visible que se considere en una situación, teniendo cuidado de diferenciarla de la energía radiante, donde se incluyen otras radiaciones electromagnéticas de frecuencias que son imperceptibles para el ojo humano, como los rayos X, por ejemplo.

Además existen dos maneras de obtener esta energía:

Naturalmente. La energía lumínica es producto de cierto tipo de reacciones químicas exoenergéticas, o sea, que liberan energía, como las que tienen lugar dentro de las estrellas, como el Sol. De hecho, el Sol es nuestra gran fuente de energía lumínica cotidiana.

Artificialmente. Puede generarse la energía lumínica a través de distintos mecanismos físico-químicos, como la combustión, o también mediante la electricidad, tal y como hacemos a diario al encender un bombillo.

La rama de la ciencia encargada de estudiar la relación entre la luz y el sistema visual es la fotometría. Es por ello que entre las modalidades del arte cinético se pueden dividir en dos grandes grupos:

  • Movimiento Lumínico: Que consiste en los cambios constantes de la luz, color y trama.
  • Movimiento Espacial: Que es el llamado cinetismo, ya que sus movimientos son perfectamente captados por el público que contempla la obra.
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Ambas modalidades del arte fueron tendencia que se dieron paso a principio de los años sesenta y llegando a su máxima popularidad a finales de los años sesenta en París. El arte cinético se ve materializado en las exhibiciones que se llevaron cabo en diversas partes del mundo como en Zúrich y los Países Bajos, siendo este tipo de arte lo más llamativo para la época.

En si el Arte Cinético parte de que el movimiento es su primordial estructura, lo que significa que la cinética se interrumpe porque la pintura puede tener una posición estática que hace que sea una exposición de la obra; como algo que se mueve que no solo refleja que pueda estar en movimiento sino que está moviéndose, como por ejemplo las obras expuestas por el artista Alexander Calder, ya que sus obras no importa en la posición o ángulo que se encuentre el movimiento siempre será independiente.

Es importante destacar que hay artistas que este tipo de elemento puede ser incluido dentro de la presentación de sus obras y que aportan diversos sentidos de acuerdo a como lo capta el ojo de la persona que lo está observando. Mientras tanto, sigamos definiendo elementos que conforman el arte cinético y que le dan esas características únicas

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¿Qué es el arte conceptual?

El arte conceptual es considerado actualmente como una creación artística por medio de la cual se busca la forma de exteriorizar el concepto de la obra, pero manteniendo la estética sin que exista una elaboración artística determinada. Esto no se limita a un arte en especial, ya que puede ser utilizado en la escultura, pintura, arquitectura, entre otros, que pueden ser utilizados materiales y técnicas de uno en específico.

Este movimiento también es considerado uno de los más radicales y controvertidos entre el arte moderno y contemporáneo, por lo que muchos artistas e historiadores del arte lo han descartado como arte. Sin embargo, este se basa en la idea o concepto de un artista por lo que se puede acercar un poco más al arte en sí y descartar varias teorías. Algunos artistas conceptuales creen que el arte es creado por el espectador, no por el artista o la obra de arte en sí.

Otro nombre que se le ha dado al arte conceptual es el de information art, software art o idea art y también puede decirse que consiste en la creación artística en la cual lo más importante es el concepto de la obra. Esto permite que se pueda mantener una experiencia estética sin la elaboración artística, o el valor plástico de los objetos, la información y el conocimiento basado en el contenido conceptual desarrollado.

Qué es el arte conceptual - Claudio Antonio

Según diversos portales web, el arte conceptual posee diversas características:

  • Dado que las ideas y los conceptos son la característica principal del arte, la estética y las preocupaciones materiales tienen un papel secundario en el arte conceptual.
  • Los temas del arte conceptual pueden dedicarse a explorar, atestiguar, cuestionar, criticar o denunciar la realidad actual del entorno social, político o económico.
  • Utiliza la ironía, sátira o la polémica en su forma de manifestación buscando la reflexión y la lectura del concepto artístico.
  • Se reduce la presencia material de la obra, lo que se conoce como desmaterialización del arte, y ésta es una de las características principales.
  • Nació como una reacción contra los principios del formalismo.
  • El arte conceptual es un término muy amplio e incluye varias prácticas artísticas

Historia

Esta corriente artística aparece a finales de los años sesenta con manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas. Entre la idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte componente heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de artículos publicados en 1967 y 1969.

De allí han surgido innumerables movimientos tales como:

  • Video-arte: Este contempla que por medio de él se puede expresar ideas y conceptos bajo un sentido artístico pleno sin importar la calidad en la grabación. El video-arte a su vez se relacionó con otros medios conceptuales como la instalación o el performance.
  • Instalación: Se puede indicar que esto nace gracias a las manifestaciones que formaban parte de un espacio por medio de medios no tradicionales en el arte, pudiendo ser tanto física, como sonora, lumínica, o interactiva.
  • Performance: este tipo de corriente se expresaba mediante el cuerpo sin recurrir a las manifestaciones escénicas tradicionales. Algunos de sus géneros son el Happening, Flashmob, Body Art, Sniggling, etc.
  • Arte-objeto: Este arte pertenece al conjunto de obras que son construidas por medio de la modificación de objetos y materiales sin tener la necesidad de recurrir a los medios tradicionales. Las obras se representan como piezas escultóricas, estatuas o figuras.
  • Ready-made: recolectaba y presentaba cualquier tipo de objetos no artísticos encontrados convirtiéndolos en obras con un sentido artístico.
  • Gráfica alternativa y Collage: normalmente es utilizado dentro de varios medios impresos combinados con otros materiales para dar cuerpo a las obras, por medio de recortes de periódicos, revistas o fotografías formando collages, cuadros o incluso libros de artista

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4 artistas plásticos más cotizados de Venezuela

Venezuela cuenta con una alta gama de artistas plásticos que han puesto el nombre del país en alto desde el extranjero y han dado a la nación obras emblemáticas que hoy en día siguen siendo el centro de atracción para caraqueños y extranjeros.

Hoy queremos compartirte 4 artistas plásticos y cómo ha sido su trayectoria al pasar del tiempo:

Jesús Soto

Fue uno de los principales artistas del cinetismo de Venezuela. Nació en el estado Bolívar, el 5 de junio de 1923, y se dedicó a la investigación espacio-temporal del objeto para así redefinir la función del arte, con la intención de involucrar al espectador con sus obras.

Luego de estudiar Bellas Artes en la Capital Venezolana, se dirigió a París en 1950, donde fue integrante de los Disidentes, un grupo de artistas venezolanos que buscaban renovar las artes plásticas de su país.

En 1955, en París, participó en la exposición grupal “Le mouvement” de la galería Denise René, este fue uno de los eventos que dio comienzo al movimiento del cinestismo en el mundo. Soto logró crear obras para todas las personas, sin importar edad o cultura del espectador, apreciar su arte es entender su propósito.

Omar Carreño

Carreño fue un venezolano que se especializó en diversas áreas: fue arquitecto, escultor, pintor y orfebre, es decir, fue un artista integral que gracias a su pasión por el arte dejó un legado imborrable en nuestra historia y cultura.

Las obras de Carreño dan a conocer el sueño de cualquier artista: crear un orden para el mundo. Esta era la promesa en los años cincuenta y sesenta, cuando un grupo de venezolanos cinéticos propusieron influir directamente en el los paisajes a través del arte integrado a la arquitectura, de piezas que se podían toca, voltear, mover e incluso rearmar por medio del juego de la percepción visual, debido a que se obligaba al espectador a moverse, explorar e involucrarse con la obra.

Entre sus muchas exposiciones y éxitos artísticos sobresalen las realizadas en Lausannc Suiza, Galería Marcon IV de Roma, Galería Durban (Caracas), Museo de Bellas Artes (Caracas) y el Museo Español de Arte Contemporáneo.

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Manuel Cabré

Fue considerado un Importante paisajista venezolano, el cual es muy conocido por ser el “pintor del Ávila”. Fueron sus padres, el escultor español Angel Cabré y Magriña y Concepción A. de Cabré. A la edad de 6 años llega a Caracas donde cursa sus primeras letras con un maestro de apellido Gil quien enseñaba en una escuelita ubicada entre las esquinas de Carmen y Bucare.

Durante el año de 1904, Cabré se inscribe en la Academia de Bellas Artes y para el año de 1908 obtiene su primera distinción académica con un cuadro de gran tamaño: Paisaje de la Sabana del Blanco. En el año 1909, participa en una huelga de estudiantes de la academia que protestaban en contra del sistema pedagógico imperante en el instituto.

Entre las principales retrospectivas presentadas en reconocimiento de su labor artística, figuran: Sala Mendoza (1965), Museo de Bellas Artes (1971), Galería de Arte Nacional (1980), Museo de Arte Contemporáneo (1990).

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Carlos Cruz Diez

Artista plástico venezolano, nacido en la ciudad de Caracas el 17 de agosto de 1923. Durante el año de 1940 y 1945 Cruz Diez estudia en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, donde coincide con otros grandes artistas plásticos de Venezuela como lo son: Jesús Soto, Narciso Debourg, Mateo Manaure y Alejandro Otero.

Durante su carrera artística tuvo grandes avances durante los años, y muestra de ello fue que para 1946 fue nombrado como director artístico de la agencia de publicidad McCannErickson, hasta el año de 1951, donde comienza a desarrollar la producción plástica en los años que enmarca en un arte con realismo social.

Artes plásticas: concepto y clasificación

Técnicas, elementos materiales, forma, color y textura es parte de los elementos que conforman las artes plásticas, que no son más que la elaboración de obras a través de la aplicación de técnicas específicas (según la corriente artística que se quiera aplicar) a materiales y elementos susceptibles para ser moldeados, modificados y transformados por un artista.

Dichos elementos son considerados por el artista un recurso plástico o materia prima que ayuda a transportar a lo visible su perspectiva, imaginación y visión. Según el término empleado por las Bellas Artes para diferenciar las artes plásticas de las visuales están se puede decir que: “deben ser percibidas por la vista del espectador, de las que involucran también el sentido del oído (música, texto recitado), como las artes escénicas. Así, se consideran artes plásticas a la pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, el grabado, la cerámica, la orfebrería, artesanía y pintura mural”.

Muchos artistas a muy temprana edad explorar sus talentos y se evocan en practicar dichas disciplinas que, al mismo tiempo, parten de principios y aspectos comunes entre sí como lo es la forma, textura, color y movimiento.

Como un poco de historia podemos decir que las artes plásticas nacen durante el siglo XIX, para distinguirlas de las artes escénicas. Sin embargo, durante el siglo XX la noción de este tipo de arte entró en conflicto y reformulación tantas veces que las artes plásticas incorporaron propuestas expresivas como el grafiti y arte urbano (street art) o el ready-made herencia del pop-art.

Este último tipo de objetos artísticos, sobre todo, que no recibían mayor intervención del artista, sino que eran trasladados por él hasta el museo y extraídos de su contexto, forzaron a la utilización del término “artes visuales” en lugar de “artes plásticas”, para darles cabida en esta categoría. El video, la fotografía y el arte digital, de esa manera, tuvieron también cabida en ella.

Existen diversos tipos de artes que son importantes conocer y explorar, y aquí te indicamos varios:

  • Pintura: Es una de las representaciones más clásicas y antiguas del arte plástico, ya que junto con la escultura, ha demostrado su evolución y paso del tiempo en la historia, siendo de ejemplo las primeras pinturas rupestres encontradas dentro de cuevas, que detallan las actividades de los primeros pobladores de la tierra.

Esta disciplina creativa se emplea a través de sustancias cromáticas obtenidas mediante diversos mecanismos para aplicar color sobre una superficie lisa y blanca, conocida como lienzo, para crear con dichos colores una representación realista o abstracta de la realidad.

Artes plásticas: concepto y clasificación - Claudio Antonio
  • Escultura: Otra representación artística que permite que el artista transporte su idea a la realidad es a través de la escultura. Esta disciplina es empleada a través de las manos del artista, así como diversas herramientas, para moldear, cortar, pulir y, finalmente, dar una forma determinada a elementos duraderos, como las piedras de diversa naturaleza, o a materiales moldeables que luego endurecen, como el yeso.
Artes plásticas: concepto y clasificación - Claudio Antonio
  • Orfebrería: Consiste en la elaboración de piezas artísticas mediante la manipulación y fundido de los metales, en particular metales preciosos como el oro o la plata. Esta es vista desde la antigüedad y también ha evolucionado en el tiempo. Actualmente las piezas de orfebrería permiten que el artista utilice cualquier material que pase por sus manos.
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  • Dibujo: Si hemos visto el dibujo no solo en una hoja de papel sino también en televisión cuando observamos los dibujos animados. Esta técnica consiste en representar las perspectivas de lo visible a simple vista o de lo imaginario mediante trazos en un papel que se efectúan con lápiz, carboncillo, tinta o algún otro material que deje marcas.
  • Grabado; Semejante al dibujo, el grabado imprime gestos, letras u otros símbolos sobre una superficie, pero en este caso una dura y resistente como metales laminados.

¿Qué materiales se utilizan para el arte cinético?

Sabemos que el arte cinético es un movimiento artístico el cuál se desarrolló por primera vez en 1920, y que consiste en que las obras tienen algún movimiento o parecen tenerlo, por lo que suelen interactuar con elementos en el “exteriores” como pueden ser el viento o el agua; algunos tipos de motores; e incluso la luz o el electromagnetismo.

Dentro de esta corriente artística se puede a su vez clasificar en tres tipos de estructuras que se observan dentro del arte cinético, como lo son:

  • Los estables: este tipo de obras tienen un carácter fijo, lo que permite que el espectador pueda rodear la obra y percibir en diferentes ángulos el movimiento.
  • Los móviles: por su parte, las obras móviles producen un movimiento real, y por tanto van cambiando su estructura constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada instante nace una obra distinta.
  • Los penetrables: Son obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el productor de movimiento.

Entre las características del arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero también en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.

Por lo general, los materiales utilizados para realizar obras cinéticas deben ser fáciles de manipular, de cambiar su forma y que aporten dinamismo. Los más comunes son el acero, el metal o la madera, y son accionadas mediante mecanismos impulsados por agua o por alguna fuerza motriz. Definamos cada uno de estos:

Es uno de los materiales utilizados no solo dentro del arte cinético sino también dentro del arte moderno. El acero normalmente se utiliza para esculturas al aire libre, el cual permite que pueda resistir al paso del tiempo y los constantes cambios de la naturaleza.

El acero también es utilizado dentro de los soportes metálicos que se utilizan en la escultura pintada, los cuales son generalmente de este material que pueden ser aceros al carbono, acero corten, acero galvanizado, aluminio y bronce.

Los más empleados en las esculturas al aire libre son aluminio y acero carbono siempre que vayan a ser cubiertos por capas de pintura. Por eso es importante que lo tengas en cuenta. Este también se emplea en escultura es de tipo laminado. Sigue un proceso que se puede desarrollar en caliente o en frío.

En cuanto a escultura contemporánea, normalmente se emplea un acero en forma de planchas de acero que luego son soldadas.

Que materiales se utilizan para el arte cinetico- Claudio Antonio

Este material es considerado un elemento ligero, flexible, moldeable y que presenta una gran resistencia a la tensión, por lo que es ideal al momento de utilizarlo para realizar alguna obra de arte.

Gracias a las vetas y la gran variedad de su textura, este le proporcionan una gran belleza natural y muchos objetos artísticos, decorativos y musicales han surgido del trabajo de artistas, luthiers y artesanos. Mediante instrumentos cortantes y abrasivos la madera va tomando diversas formas, dimensiones y usos.

Hasta la fecha existen miles de instrumentos que se ha inventado desde el comienzo de la historia de la humanidad quedan clasificados en tres tipos fundamentales. En los de viento las notas son emitidas al producirse rápidas vibraciones en la columna de aire que contienen sus tubos.

Que materiales se utilizan para el arte cinetico- Claudio Antonio
  • Metal:

Al igual que el acero, el metal es utilizado dentro del arte cinético ya que es un material resistente, que proporciona durabilidad a la obra y es totalmente maleable. Lo que hace que algo básico se pueda convertir en extraordinario.

Tanto el hierro y el acero protagonizan muchas obras de arte y esculturas hoy en día. Algunas se exponen en interior y otras en exterior, pero lo cierto es que es posible encontrar mucha variedad. Con esculturas pequeñas o grandes, de todo tipo.

Que materiales se utilizan para el arte cinetico- Claudio Antonio

Arte del Siglo XX

Durante el siglo XX existieron innumerables corrientes y movimientos artísticos que dieron pie a la originalidad, el concepto de cada propuesta artística y a su vez, un lenguaje claro que podría pasar de generación en generación y evolucionar con el tiempo.

En este sentido, el lenguaje plástico se encontró por encima de la imitación de la naturaleza y del ideal clásico de belleza, siendo esto valores vigentes hasta el siglo XIX, cambiando así la historia del arte occidental llegando varios motores creativos.

Otra cosa que hay que tomar en cuenta, es que durante el siglo XX el arte fue más activo y participativo. Por primera vez, abandona la exclusividad de las élites para empezar a representar los convulsos escenarios políticos y sociales que se vivieron en el mundo en aquel momento, así el arte se pone al servicio de la protesta individual y colectiva, como un modo de escenificar las fuertes emociones que impregnaban el ánimo social de una etapa marcada por el cambio.

Hoy te queremos compartir, tres movimientos o corrientes artísticas que se desarrollaron durante este siglo y que dieron paso a algo extraordinario dentro del arte:

Cubismo

Este movimiento artístico surge en Francia y se caracteriza principalmente por ser uno de los estilos de arte más visuales y que influyó considerablemente durante el siglo XX.  Su aparición significó un antes y un después dentro de disciplinas como la pintura tradicional y fue una fuente de inspiración para las élites vanguardistas de Europa, poniendo en segundo plano las tendencias renacentistas.

Este se representa a través de la visión del mundo mediante figuras geométricas y que da una perspectiva múltiple del mismo. Se dice que el término cubismo fue acuñado por el francés Louis Vauzcelles, quien aseguraba que las obras parecían estar compuestas por pequeños cubos.

Algunos de sus principales exponentes son artistas como Jean Metzinger, Robert Delaunay, Georges Braque, Juan Gris, y, por supuesto, no podemos olvidar mencionar a Pablo Picasso, cada uno de ellos plasmaron en sus creaciones las características propias del movimiento, que en Capital del Arte te enumeramos a continuación:

Entre sus características se encuentra:

  • Produce un efecto visual disruptivo y fragmentado.
  • Hace uso de colores grises, verdes y marrones haciendo a un lado los colores típicos del impresionismo.
  • Sitúa los objetos en un mismo plano, rechazando la apariencia real de las cosas y su profundidad.
  • En algunas ocasiones el cubismo tenía que emplear un breve discurso lingüístico, que le permitiera explicar la propuesta del autor, debido a la dificultad de interpretación por parte del espectador.
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Futurismo

Es considerado un movimiento vanguardista italiano que se dio a conocer durante el 20 de febrero de 1909, cuando el diario Le Fígaro publicó en París el Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti.

En este manifiesto se pretendía expresar los valores y experiencias de la era de la máquina —velocidad, energía y fuerza—, revolucionando las técnicas y el lenguaje de la literatura y las artes. Por ello, asumió como nombre el término futurismo, que significa ‘movimiento orientado hacia el futuro’.

Entre las características que posee se encuentran:

  • Rompe con la tradicional estética del siglo XIX fue un elemento común de todos los movimientos de vanguardia.
  • El futurismo se gestó en las postrimerías de una generación signada por la Segunda Revolución Industrial (1870-1914), en la que la dupla conocimiento científico y tecnología era responsable de una profunda transformación. Por eso, esta corriente representó el avance.
  • El tiempo ocupa un papel protagónico en el arte futurista. No puede ser de otro modo si el movimiento funda su nombre en la dialéctica del tiempo.
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Abstracción lírica

Más que un movimiento, la abstracción lírica fue una corriente que impulsó otros movimientos, como el rayonismo y el expresionismo abstracto. En su origen, propuso liberar al arte de la imitación de la naturaleza por primera vez en Occidente. Su técnica se basaba en la libertad compositiva y los valores armónicos del color, haciendo del lenguaje plástico el interés fundamental de la obra. Su impulsor más destacado fue Vasily Kandisnky.

Arte del siglo XX - Claudio Antonio

Tipos de arte del siglo XIX

El arte es considerado una expresión artística y cultural que ha evolucionado con el tiempo. Desde los primeros indicios, el arte ha demostrado que puede expresar lo mejor, lo cultural y lo diferente de cada época, por eso es que es tan característico a medida que pasan los siglos.

Durante el siglo XIX, el arte ha tenido una evolución conceptual que condujo a su vez a un cambio radical, ya que los movimientos y corrientes artísticas durante estos años surgieron con rapidez por esa aceleración (contrasta con la larga duración de los estilos anteriores que duraban siglos: Románico, Gótico, Renacimiento…) siendo los movimientos son breves, y, a veces, se superponen, coinciden en el tiempo.

En tal sentido, más que nunca es el arte también reflejo de la sociedad, una sociedad acelerada, de cambios radicales: Revolución Industrial, crecimiento demográfico, revoluciones liberales. Por otra parte, desde el punto de vista político asistimos en la primera mitad de siglo a una serie de revoluciones que acabarán asentando regímenes liberales o burgueses en casi toda Europa: revolución de 1820, de 1830 y 1848.

Algunas corrientes artísticas que se desarrollan en el siglo XIX son las siguientes:

Romanticismo

Tipos de arte del siglo XIX - Claudio Antonio

Su origen se remonta a finales del siglo XIX y se encuentra centrado en la música y en la literatura alemana e inglesa de finales de este siglo. En tal sentido, el romanticismo surge como una reacción en contra de los esquemas rígidos del clasicismo y recibe un enorme influjo del arte gótico.

Una de sus características principales es que su arte se inclinaba en  la tendencia a lo fantástico, la exaltación del yo y el cultivo de los sentimientos nacionalistas combinados con los nuevos ideales de libertad heredados de la Revolución Francesa.

Asimismo, este tipo de arte involucra una serie de sentimientos estéticos y religiosos que juntos llevará al estudio del paisaje y la naturaleza como algo místico. Un ejemplo claro es que durante la época de Napoleón, quien era un hombre de baja extracción social que llega a ser emperador, con su caída, el romanticismo dió un giro hacia el nacionalismo.

Por otra parte, la arquitectura romántica viene a ser un movimiento medievalista de imitación del arte gótico. En Francia, Franz Christian Gau (1790-1853) construyó la iglesia Sainte Clotilde en el barrio más elegante del París de la época. Jean Baptiste Antoine Lassus (1807-1857) construye la fachada de Saint-Ouen en Rouen y las iglesias de Saint Nicolas de Moulins y Saint Pierre de Dijon.

El realismo

Tipos de arte del siglo XIX - Claudio Antonio

Esta corriente artística se desarrolló entre los años 1850 y 1875 como reacción al exceso de anti mentalismo propio del romanticismo y se caracteriza por representar las cosas como son en realidad.

Mientras se desarrollaba este arte las nuevas ideologías sociales surgían al igual que el  nacimiento de la fotografía y el desarrollo científico serán sus bases doctrinales.

Uno de los países donde surgió el realismo es en Francia, y pronto se difundirá por el resto de Europa. Entre sus figuras más destacadas se encuentran Gustave Courbet (1819-1877), con El entierro de Ornans, obra que refleja la dura vida del trabajador; Honore Daumier (1808-1879) cuya característica es la satirización de sus personajes, y J. F. Millet (1814- 1875), observador de la vida y del mundo del labrador, lo que refleja en obras como El ángelus y Las espigadoras.

El impresionismo

Tipos de arte del siglo XIX - Claudio Antonio

El impresionismo es un  movimiento que se desarrolló  en Francia entre los años 1860 y 1886 como una nueva corriente artística que rompe con el realismo. La nueva concepción del artista era intentar transmitir el ritmo cambiante de las cosas, bajo la influencia de lo espontáneamente percibido y utilizando la vibración de la luz. Así intentaban exponer las impresiones que el artista experimentaba al observar la naturaleza.