Arte Cinético

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Cuando hablamos del arte cinético es difícil decidir cuál exponente es mejor que el otro porque todos son excelentes, pero hoy queremos dedicarnos a ver la vida del artista Jesús Soto, quien es sumamente famoso y reconocido por sus obras de arte que engalanan gran parte de la ciudad de Caracas y diversas partes del mundo.

Jesús Soto, junto con Carlos Cruz Diez, fue uno de los principales artistas del cinetismo de Venezuela. Nació en el estado Bolívar, el 5 de junio de 1923, y se dedicó a la investigación espacio-temporal del objeto para así redefinir la función del arte, con la intención de involucrar al espectador con sus obras.

Luego de estudiar Bellas Artes en la Capital Venezolana, se dirigió a París en 1950, donde fue integrante de los Disidentes, un grupo de artistas venezolanos que buscaban renovar las artes plásticas de su país.

En 1955, en París, participó en la exposición grupal “Le mouvement” de la galería Denise René, este fue uno de los eventos que dio comienzo al movimiento del cinestismo en el mundo.

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Soto logró crear obras para todas las personas, sin importar edad o cultura del espectador, apreciar su arte es entender su propósito.

Entre las curiosidades que pueden compartirse de su vida podemos indicar las siguientes:

  • Desde una temprana edad, pintó varios posters de películas durante su infancia y su adolescencia. Más tarde entrenó en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas, Venezuela.
  • Al comienzo de los 70, un museo dedicado a su trabajo artístico fue establecido en su nativa Venezuela.
  • Durante los años 50, formó parte de un círculo artístico que incluía al escultor cinético y óptico nacido en Israel Yaacov Agam.
  • Aunque es muy reconocido por su trabajo cinético, Soto a los 12 años empezó aprender a tocar guitarra, luego trabajó un tiempo como cartelista en los tres cines que se encontraban dentro de su ciudad, siendo uno de sus primeros acercamientos a las artes plásticas.
  • Las primeras obras fueron inspiradas e influenciadas por Marcos Castillo, Henri Matisse, Paul Cézanne y Pablo Picasso.
  • Sus obras se caracterizan por la intersección de líneas y puntos, donde las repeticiones se puede encontrar elementos geométricos simples en orden lineal y repetitivo hasta el infinito.
  • Para el año de 1995 recibió el Premio Nacional de Escultura en París, y 10 años después fallece el 14 de enero, dejando un legado en cada generación de artistas que se levanta dentro y fuera del país.
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Minimalismo + arte cinético: desde lo básico

El minimalismo dentro del arte consiste en colocar las diferentes formas que se encuentran  reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde el punto de vista morfológico.  Lo importante dentro de este tipo de arte es su totalidad, no la relación entre sus partes o composición. El todo es más importante que las partes.

Como dato histórico, el minimalismo cobró fuerza en los años 60 y 70 en Estados Unidos, específicamente en Nueva York, y no fue sino hasta 1965 cuando el filósofo Richard Woheim utiliza el término minimal para a este tipo de arte.

Por otra parte, el arte minimalista niega toda función asociativa, el cual no expresa nada, no hace sentir nada, remite solamente a la obra misma. Para los artistas, la obra que se presenta tenía que estar despojada de toda reminiscencia emocional, sin contenidos e ideales de formación propios de la cultura burguesa.

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Uno de los artistas que comparte este tipo de visión en Piet Mondrian, el cual perteneció al movimiento De Stijl y el neoplasticismo, evolucionó hacia la abstracción y sus pinturas son minimalistas.  Estaba interesado por la teosofía de Blavatsky, buscaba un conocimiento esencial más allá de lo empírico, esa búsqueda de la estructura básica del universo le hizo repudiar las características sensoriales de la textura y la superficie, las curvas y el arte figurativo, utilizando colores primarios y la abstracción para indagar en lo absoluto.

Ahora bien, ¿cómo se involucra el cinetismo o el arte cinético en las obras de arte minimalistas? Normalmente se puede observar dentro de las galerías de arte, donde puede aparecer una obra de arte minimalista con tonos neutrales, pero el artista le agrega profundidad y movimiento, allí entra en acción el minimalismo.

También el espacio de la exposición puede llamar la atención sobre sí mismo, ya que en muchas ocasiones por su gran neutralidad o por el contraste que establece con las obras hacen que estas cobren vida por si solas; otras veces es fondo evidente y buscado de las piezas, como ocurre en los proyectos de Carl Andre. En otras ocasiones, el espacio forma parte de la obra y es traído a la conciencia perceptiva por ella.

De tal manera podemos decir que toda obra de arte modifica más o menos que pueda alterar la percepción del espacio circundante, pero que a su vez tenga un estilo minimalista, lo hacen intencionadamente como parte de su contenido. La conexión entre obra y espacio es propiciada por el tamaño o la colocación del objeto. En definitiva, el espacio es en el Minimalismo el lugar en el que se produce el encuentro entre sujeto y objeto y la experiencia de la obra.

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Constructivismo: arte desde lo básico

Se conoce como constructivismo aquel movimiento artístico y arquitectónico que es considerado de vanguardia, el cual nacido en Rusa, pocos años antes de la revolución bolchevique. Este concepto artístico fue desarrollado por Tatlin entre 1913 y 1914 a partir de su vinculación con Picasso y los cubistas.

En tal sentido, el constructivismo fue el resultado de experimentos realizados con diversos materiales en el espacio real por lo que su evolución dio paso años después al arte cinético. Con respecto a los materiales usados, los mismos fueron explorados por fueron la madera, el alambre, trozos de cartón y chapa metálica.

A diferencia del suprematismo, otro movimiento abstracto, el constructivismo pretendió dejar de lado los recursos ilusorios, esto debido a su vinculación con los postulados del comunismo ruso, los constructivistas rechazaban el concepto de arte de salón, reducido a los pequeños grupos de apoderados, y pretendían alcanzar un nivel colectivo acorde con los principios de la nueva ideología soviética.

Como el movimiento este empiezó a dejar de lado la intención de proyectar la razón o el valor de un sólo objeto dentro de cada obra, y empieza a generar la sensación de que es el elemento quien se integra con el espacio.

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Características del Constructivismo:

En primer lugar, el constructivismo como movimiento artístico puede ser utilizado principalmente con el objetivo de difundir y propagar mensajes revolucionarios a partir de propagandas, carteles, ilustraciones, fotografías, entre otros medios.

Por otra parte, este arte toma un predominio marcado por manejar la tridimensionalidad, motivos de carácter abstractos, formas y figuras geométricas y líneas inclinadas.

Algo catracteristico de este movimiento también enfatizó en el uso de colores en específico, como por ejemplo: el azul, el rojo, el amarillo, el blanco, el naranja y el negro, los cuales permiten que se haga un constantes alusiones a elementos que simbolizaban el progreso, las formas pesadas y las tonalidades basadas en los colores anteriores.

El constructivismo expone una obra que está en comunicación con el espacio y el ambiente que rodea la pieza, cuenta con una estructura que se percibe como el espacio para materializarse e integrarse con el elemento. Con frecuencia se puede observar que los elementos tienen especialmente formas geométricas, son planas, son líneales y a veces transparentes, enfatizando en su intención.

Este movimiento sin duda impulso y dio pie a la creación del arte cinético en el mundo, ya que recordemos que este movimiento artístico que se ha caracterizado por utilizar colores llamativos como el azul, rojo, verde y amarillo en sus obras colocando un sello en cada representación artística, haciendo que la misma no pierda valor en el tiempo y espacio.

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3 museos con arte cinético en Venezuela

Los museos son considerados lugares donde el arte se hace evidente en su máxima expresión, además las personas pueden conocer espacios, entender el mensaje que quiere dar el artista con cada obra, y porque no, también interactuar y ser parte de la experiencia creativa.

Basándonos en eso, existen diversos museos en Venezuela que ofrecen una experiencia única dentro del arte cinético, donde los visitantes podrán ver el movimiento de las obras, observar texturas y ver la importancia del color en cada muestra. Por esta razón compartimos tres museos que posiblemente te pueden gustar y que te van a dar ganas de visitar.

Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz Diez

Este museo es uno muy poco conocido que se encuentra ubicado en la ciudad de Caracas. A pesar de ser toda una «joya» no es muy grande, pero tiene muchas obras muy interesantes que sin duda cautivan al público asistente porque tienen una exposición permanente y otras itinerantes.

El museo fue inaugurado en el año de 1997 para exhibir obras de Carlos Cruz Diez y otros artistas modernistas. Como parte de un tour “escrito”, podemos decir que en la planta baja, se presentan exposiciones temporales, que se renuevan periódicamente. En el piso superior, está la sala de exposición permanente «Atrapando el Color».

En la parte de Arriba, existen dos vistas de la misma obra, por lo que el visitante podrá tener la posibilidad de tener dos visiones muy distintas. Y eso es lo que hace admirable la obra de Cruz Diez, una obra que cambia con el ángulo desde el cual se mira.

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Museo de Arte Contemporáneo de Caracas

El Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Sofía Imber, fue fundado en el año de 1973. Cuenta con dieciséis mil metros cuadrados en espacios se exhibe una colección permanente que ya se acerca a las tres mil obras.

Desde su creación hasta ahora, la trayectoria de esta institución ha logrado acopiar una colección impresionante de obras de arte de artistas venezolanos y extranjeros cuya producción se enmarca en el período posterior a la II Guerra Mundial.

El edificio de este Museo se ha caracterizado por el reciclaje arquitectónico. Sus sucesivas ampliaciones respondieron a su particular punto de enclave: el complejo urbanístico Parque Central. Concebido inicialmente como un espacio para exposiciones con pocas salas, se fue ampliando poco a poco en la medida en que la colección crecía y las actividades del museo aumentaban.

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Museo Alejandro Otero

El Museo Alejandro Otero, MAO (llamado anteriormente Museo de Artes Visuales Alejandro Otero, MAVAO), nace a partir de una colección que había sido atesorada por el Instituto Nacional de Hipódromos de Venezuela. Llamándose posteriormente como Museo de Arte La Rinconada, y en 1983 es inaugurado un edificio en los alrededores del Hipódromo, obra de los arquitectos Pedro Mendoza y Hugo Dávila.

Dentro de su colección de obras reúne piezas de artistas contemporáneos venezolanos como Nan González, Diana López, Paloma Navares, Lole de Freitas, Miguel Ángel Ríos, Gerardo Suter, Alexander Apóstol, entre otros, y por supuesto, de Alejandro Otero.

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Albert Gleizes: pintura y movimiento

El cinetismo, como ya lo hemos explicado en ocasiones, no solo se puede detallar en esculturas, también en la pintura puede existir una gran influencia de esta corriente artística. Muestra de ello es el pintor francés Albert Gleizes quien en el año 1881-1953, describió la filosofía creativa cinética.

Gleizes es considerado como un  filósofo ideal de las artes que desarrolló su trabajo a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en Europa, y específicamente en Francia, donde nació.

Entre sus teorías y tratados de 1912 que hablaban del cubismo le dieron una reputación reconocida en cualquier discusión artística, por lo que su reputación le permitió actuar con una considerable influencia al apoyar el estilo plástico o el movimiento rítmico del arte en los años 1910 y 1920.

Asimismo, el pintor francés publicó una teoría sobre el movimiento, la cual se articuló dentro de sus teorías sobre los usos psicológicos y artísticos del movimiento en conjunción con la mentalidad que surge al considerar el movimiento. En tal sentido, afirmó repetidamente en sus publicaciones que la creación humana implica la renuncia total a la sensación externa. Eso para él es lo que hace que el arte sea móvil cuando para muchos, incluido Rodin, es rígida e inamovible.

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Cabe destacar, que Gleizes hizo hincapié en la necesidad de que el arte tuviera un ritmo, ya que  Para él, el ritmo posee un significado que involucra la coincidencia visual que debe ser agradable de las figuras en un espacio bidimensional o tridimensional.

Explicó que las figuras deben espaciarse matemáticamente o sistemáticamente para que parezcan interactuar entre sí y que las figuras tampoco debería tener características que sean demasiado definidas por lo que se necesitan tener formas y composiciones que son casi confusas, y desde allí el espectador puede creer que las figuras se están moviendo en ese espacio confinado.

Hay que recordar que las pinturas, esculturas e incluso obras planas de artistas de mediados del siglo XIX se debían mostrar cómo las figuras podían transmitir al espectador que había un gran movimiento contenido en un cierto espacio. Como filósofo, Gleizes también estudió el concepto de movimiento artístico y cómo eso atraía al espectador. Gleizes actualizó sus estudios y publicaciones durante la década de 1930, justo cuando el arte cinético se estaba haciendo popular.

Entre su trabajo podemos destacar los siguientes aspectos:

  • Como parte de su primera etapa abarca obras realizadas entre los años 1901 y 1909, en las que se inspira en el impresionismo y el simbolismo social.
  • Siguió pintando mientras servía en el ejército francés entre 1903 y 1905 exponiendo dos pinturas en el Salon d’Automne, una exposición anual de artistas independientes en 1904.
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Conoce a Alexander Calder

Cuando hablamos de exponentes del arte cinético no podemos dejar de nombrar al estadounidense Alexander Calder, quien fue un ingeniero y escultor que se trasladó a París (Francia) en los años 20 para no solo crear figuras sino conocer más del arte en movimiento.

Entre sus primeros trabajos fue el crear animales con madera y alambre, pero poco fue transformando su técnica hasta el punto de simplificarla y llegar finalmente a la abstracción, donde descubrió que al utilizar esta técnica ganaba dinamismo en sus obras, ya que las mismas se movían en realidad, naciendo sus innovadores móviles o cómo se le conocía en ese momento chupin, siendo esto una pequeña semilla para la escultura cinética.

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Posteriormente, Calder empezó con esculturas relativamente pequeñas, pero con el paso de los años estos trabajos fueron creciendo hasta llegar a esculturas monumentales, que acabaron las calles y plazas de las principales ciudades del mundo. Sus móviles (bautizados así por Marcel Duchamp) eran complejas estructuras de formas orgánicas abstractas. Normalmente estos trabajos se encontraban suspendidos en el aire y se balanceaban de una manera suave y armónica, además podían moverse de manera rotatoria y casi imperceptible al ojo.

Otra de las cosas que implementó el artista es que a través de sus obras se podía observar las sombras que proyectaban sus móviles, siendo estas tan cambiantes como la pieza en sí, por lo que Calder empezó a cuidar la iluminación de los espacios expositivos. Además, otro factor interesante y novedoso fue el sonido, y lo tuvo en cuenta en sus obras, ya que estas estructuras chocaban unas con otras.

También  se pudo destacar particularmente Steel Fish y Red Petals.  El gran éxito de los móviles explica que el creador recibiera encargos de los más diversos países y que sus obras embellezcan algunas de las principales ciudades del mundo.

Otros datos

Alexander Calder nació el 22 de julio de 1898, en Lawnton, Pensilvania, EE.UU. Hijo del escultor Alexander Stirling Calder y la pintora Nanette Lederer Calder. Nieto del escultor Alexander Milne Calder, escocés, quien esculpió la estatua de William Penn en la cima de la torre de la municipalidad de Philadelphia, EE.UU.

Contrajo nupcias con Louisa James el 17 de enero de 1931. El enlace tuvo 2 hijas: Sandra y Mary.

Obtuvo el título de Ingeniero en el Instituto Stevens de Tecnología (1919), asistió a clases nocturnas de dibujo en La New York Public School, luego se unió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Ángeles (1923) e ingresó en la asociación Abstraction-Creation (1931).

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El arte y la interpretación del movimiento

Cuando leemos o pensamos sobre arte, implica imaginar pinturas en un museo, fotografía o esculturas, pero si analizamos un poco, no tiene por qué ser así, debido a que ahora existe el arte en movimiento.

ARTE CINÉTICO

Es una variación del arte que nació de la escultura en los años 20 con el propósito de hacer obras que aparentaran movimiento, para que estas interactuarán con el público de una forma dinámica, generando en los observadores o participantes una sensación de evolución, progresión y dinamismo.

El pionero de este movimiento fue el visionario Alexander Calder, quien en los años 20 empezó a crear figuras, con las cuales se podían interactuar.

ALEXANDER CALDER

Este señor, fue un escultor estadounidense. Su creatividad e influencia artística vienen de artistas abstractos como son Piet Mondrian, Joan Miró y Jean Arp, en el año 1931 creó la obra  llamada móvil. Estos le dieron a Calder el puesto en la cima de la escultura moderna. Con estos se esforzó en crear obras dotadas de mucho movimiento, que reflejaran, los diferentes efectos de la luz.

Los móviles eran realizados en diferentes tamaños, formados por piezas de latón coloradas en diferentes formas, conectadas con una cuerda o alambre, con un soporte, generalmente, en el techo. Por su diseño y poco peso, el viendo era su principal fuente de movimiento.

Con estas sencillas obras, fue el pionero en unir el movimiento y el arte, como resultado se convirtió en el padre del arte cinético.

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TIPOS DE ARTE CINÉTICO

Lo ideal del arte de Alexander Calder, es que cada quien pueda interpretar la obra, pero que al mismo tiempo, se logre relacionar con la realidad. Por ello, hay tres tipos de arte dentro del cinetismo.

ESTABLE

Son aquellas obras fijas que deben ser rodeadas u observadas desde distintos lugares para percibir el movimiento.

MÓVILES

Sencillo, estas mismas producen un movimiento.

PENETRABLES 

Ensamblajes, laberintos en espacios reales que las personas deben recorrer.

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CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

Solo existen dos principales, la creación de movimiento y la interacción del público. Por cierto, el origen de los móviles fue la sensación de movimiento y no el objeto en sí, resaltaba las virtudes de la interacción con el ambiente.

Sin duda alguna, el arte ha evolucionado con el tiempo, ya muchos artistas se suman al mundo del arte cinético. Lyman Chitar, artista que se inspiró en Calder y crea unas obras aéreas, una escultura que con el aire se mueven y generan diferentes formas.

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