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diciembre 30, 2020diciembre 30, 2020

Carlos Cruz Diez: un hombre de gran trayectoria y fuente de inspiración para otros artistas

Carlos Cruz-Diez es uno de los mayores referentes del arte óptico y cinético en Latinoamérica y fue considerado como uno de los padres del arte cinético y del Op-art, corrientes que “reivindican la toma de conciencia de la inestabilidad de lo real”. Este tipo de arte, enfocado en el uso de efectos de color y gráficos tienen como fin crear sensación de movimiento en una superficie bidimensional.

Además fue uno de los artistas más innovadores, dado que empleó elementos como el color para crear experiencias visuales originales. A través de sus obras, abrió un diálogo sobre la percepción y por medio de la observación fija de la obra se aprecia el movimiento y el color, lo que termina convirtiéndose en una realidad autónoma.

Expertos del arte sostienen que “el discurso plástico de Carlos Cruz-Diez gravita alrededor del fenómeno cromático concebido como una realidad autónoma que evoluciona en el espacio y en el tiempo, sin ayuda de la forma ni del soporte, en un presente continuo”.

Carlos Cruz Diez: un hombre de gran trayectoria y fuente de inspiración para otros artistas

Cabe destacar que, Cruz-Diez estudió la forma en la que el color es concebido como una realidad autónoma, así como la manera en la que se desarrolla en el tiempo y espacio real sin necesidad de herramientas de soporte.

Además de la creación de sus obras, también dedicó su vida a la difusión artística y se desempeñó como presidente de la Fundación del Museo de la Estampa y del Diseño “Carlos Cruz-Diez” en su natal Venezuela. Su labor en las áreas de la educación las artes y las letras en su país fue reconocida con la Orden de Andrés Bello.

Cruz-Diez dejó un gran legado que se exhibe en diversos espacios del mundo de manera permanente. Por ejemplo, el Museum of Modern Art (MoMA) en Nueva York; la Tate Modern de Londres, el Museum of Fine Arts de Houston y el Wallraf-Richartz Museum de Colonia. Sin olvidar dos recintos de la ciudad que lo acogió y en la que desarrolló gran parte de su obra: el Musée d’Art Moderne de la Ville de París y el Centre Pompidou. Además, se han realizado varias retrospectivas durante 2019 y 2020 en museos y galerías de Alemania, Estados Unidos.

El célebre autor fue fuente de inspiración para otros artistas de todo el mundo y un ejemplo de ello es Felipe Pantone. El artista argentino-español declaró en diversas ocasiones que Cruz fue uno de los referentes que tuvo desde el inicio de su trayectoria.

noviembre 23, 2020noviembre 23, 2020

Claudio Antonio: Cromosaturación de Carlos Cruz-Diez formarán parta del Museo de Bellas Artes de Houston

Un sorprendente anuncio realizado por la fundación de arte «Cruz-Diez» señaló este sábado 21 de noviembre que formarán parte del Museo de Bellas Artes de Houston con una colaboración inédita que será permanente llamada «Chromosaturation» (Cromosaturación).

A través de sus redes sociales, la fundación informó que la colaboración presentada será una obra monumental perfectamente adaptada al espacio arquitectónico del nuevo edificio Rich and Nancy Kinder.

Además, se destacó que «este asombroso trabajo, presentado en colaboración con @ArticruzOficial, es ahora un aporte permanente del museo. “¡No se lo pierdan!».

Cabe destacar que, en los registros de la fundación Cruz-Diez, cuyos establecimientos se encuentran también en la ciudad de Houston, se explica que «la Cromosaturación es un ambiente artificial compuesto por tres cámaras de color, una roja, una verde y otra azul, que sumergen al visitante en una situación monocroma absoluta».

Asimismo, se describe que «esta experiencia origina perturbaciones en la retina, habituada a percibir simultáneamente amplias gamas de colores. Esta puede actuar como detonante activando en el espectador la noción del color en tanto que situación material, física, que sucede en el espacio sin la ayuda de la forma e incluso sin soporte alguno, independientemente de las convenciones culturales.»

Por otro lado, la primera obra de este tipo se implementó en la ciudad París, en el año 1965, donde ya se había explicado que estas obras se relacionan con la idea de que en el origen de toda cultura reposa un acontecimiento primario como punto de partida. “…Una situación simple que genera todo un sistema de pensamientos, sensibilidades y mitos…”.

Carlos Cruz-Diez fue uno de los artistas venezolano del arte cinético. Vivió y trabajó en París desde 1960 hasta su muerte. Cruz-Diez propuso concebir el color como una realidad autónoma que se desarrolla en el tiempo y en el espacio, sin ayuda de la forma o necesidad de soporte.

La mayor parte de sus reflexiones tienen origen en lo que él denomina soportes para acontecimientos cromáticos. Su obra pone en evidencia que el color, al interactuar con el observador, se convierte en un acontecimiento autónomo capaz de evolucionar en el tiempo y el espacio real, sin ningún tipo de anécdota y sin la ayuda de la forma o del soporte.

En unas declaraciones, destacó que “por mi trayectoria cromática intento evidenciar el color como una situación efímera, como una realidad autónoma en continua mutación. Es una realidad porque los acontecimientos tienen lugar en el espacio y en el tiempo real. Sin pasado ni futuro, en un presente perpetuo. Es autónomo porque su puesta en evidencia no depende de la forma o de lo anecdótico, ni siquiera del soporte”.

octubre 23, 2020octubre 23, 2020

Claudio Antonio: Jesús Soto, la historia de sus inicios

Jesús Rafael García Soto fue un artista venezolano, quien es reconocido como uno de los máximos exponentes del arte cinético gracias a su constante búsqueda del movimiento en las obras que realizaba, lo que le llevó a desafiar las posibilidades perspectivas del ojo humano.

Nacido en Ciudad Bolívar el 5 de junio de 1923, su padre era músico de profesión y su madre ama de casa. Su familia era numerosa, pues en su casa vivían sus padres, cuatro hermanos pequeños, la abuela y algunas tías de su madre.

Su talento comenzaba a sobresalir desde pequeño, a sus 5 años de edad empieza a dibujar y sus primeros colores se los consiguió su abuela en la casa de una familia adinerada; al ser su familia muy pobre no tenían dinero para comprarlos y solo se conseguían en la capital. En el año 1929 comenzó sus estudios de la primaria, convirtiéndose en uno de los alumnos del reconocido poeta Luis García Morales.

En 1934 su madre lo inscribe en el instituto “El Colegión” ubicado cerca de la Casa del Congreso, allí cursa primer grado como un alumno de buenas notas, pero termina suspendiendo los exámenes de fin de año debido a las matemáticas. Para abril de 1935 decide regresar a Ciudad Bolívar donde logra obtener por un examen su título de graduado con altas calificaciones sin haber aprobado primer año y sin cursar el segundo.

Con el pasar de los años, obtiene una beca otorgada por el estado Bolívar para estudiar en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas en 1942, a la que ingresa en septiembre de ese año y donde sigue los cursos de arte puro y los de historia del arte.

Soto se convierte en discípulo de Antonio Edmundo Monsanto, quien obtuvo revistas y libros extranjeros para la escuela, así como reproducciones y grabados de arte moderno, que fueron la principal fuente de información de los estudiantes.

Entre sus compañeros conoce a Carlos Cruz Diez, Alejandro Otero y a Pascual Navarro. En esta primera época, su pintura estuvo influenciada por Paul Cézanne, a quien estudia a partir de reproducciones. Sus paisajes y naturalezas muertas muestran su inclinación hacia el cubismo, interesándose por lo constructivo y apreciando el paisaje venezolano en grandes planos.

Ésta es una de las obras más emblemáticas del artista venezolano: La Esfera de Soto, ubicada en la autopista Francisco Fajardo en Caracas

En 1943 su tío fallece y es avisado para que fuera a ocuparse de su familia que se ve obligada a vender la hacienda. Su profesor Antonio Edmundo Montsanto escribe una carta donde considera que sería “muy lamentable que un muchacho, apenas comenzando sus estudios, tenga que abandonarlos”. Finalmente la esposa de su tío se encarga de los hermanos y gracias a ello, Soto regresa a Caracas al mes siguiente.

Soto tuvo una vida en la que desarrolló su pasión por el arte logrando cautivar el mundo y conseguir el reconocimiento internacional. Murió el 5 de enero de 2005 en París, dejando un gran legado.

octubre 2, 2020octubre 2, 2020

Arte cinético, la ilusión del movimiento

El arte cinético es una corriente artística en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo. Consiste en una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para generar la impresión de movimiento cuando el espectador la observa.

El término apareció por primera vez en el año 1920, cuando Naum Gabo, un escultor constructivista ruso en su Manifiesto Realista rechazó “el error heredado ya del arte egipcio, que veía en los ritmos estáticos el único medio de creación plástica” y quiso reemplazarlos por los ritmos cinéticos, explicándolos como “formas esenciales de nuestra percepción del tiempo real”.

Así que, hoy día se conoce como arte cinético, aquellas obras que causan al espectador movimiento e inestabilidad, gracias a ilusiones ópticas, que cambian de aspecto según el punto desde el que son contempladas o por la luz que reciban; ejemplo de esto pueden ser los anuncios luminosos. También están incluidos dentro de este movimiento los móviles sin motor y las construcciones tridimensionales con movimiento mecánico.

De esta manera, a continuación se destacan tres tipos que dan vida a este estilo de arte:

Los estables: Son las obras fijas. En éstas, es el espectador quien tiene que rodearlas para percibir el movimiento.
Los móviles: Se trata de las obras que producen un movimiento real, y por tanto, van cambiando su estructura constantemente. Siendo “heraclitianos”, a cada instante nace una obra distinta.
Los penetrables: Son aquellas obras que poseen ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, pasar en ellas, siendo la persona que la observa el productor de movimiento.

Carlos Cruz-Diez y el movimiento cinético de Venezuela

Este movimiento es encabezado por Carlos Cruz-Diez, quien fue considerado el máximo representante del arte cinético venezolano, pues desde pequeño sintió inclinación por el color y las artes plásticas.

Cruz-Diez desde niño escuchó hablar de literatura, de arte, de música y de teatro, dado que su padre era poeta y su madre le acompañaba en sus lecturas. Pero el dibujo y una gran caja de creyones se convirtió en su actividad favorita a través de los años.

Por otro lado, la proposición artística de Carlos Cruz-Diez se fundamenta en sus ocho investigaciones que ponen de manifiesto los diferentes comportamientos del color:

Color aditivo
Fisicromía
Inducción cromática
Cromointerferencia mecánica
Transcromía
Cromosaturación
Cromoscopio
Color en el espacio

En cada una de éstas, el artista venezolano presentó obras significativas que lograron cautivar diversos espacios en todo el mundo, lo que lo convirtió en una figura importante del arte cinético en todas partes del planeta.

agosto 4, 2020agosto 4, 2020

Claudio Antonio: Carlos Cruz-Diez, un artista figurativo que transitó hacia la abstracción

Carlos Cruz-Diez (1923-2019) es un artista venezolano que se convirtió en uno de los exponentes más importantes del arte cinético o cinetismo en el mundo. Fueron sus investigaciones y propuestas sobre el cromatismo lo que le dio su tono particular. Conozcamos algunas de sus obras y principios plásticos más importantes.

Aunque inició como un artista figurativo, Cruz-Diez transitó hacia la abstracción en la década de 1950. Antes de dar con sus planteamientos cinéticos, trabajó en diferentes investigaciones, especialmente entre 1954 y 1959, período de la transición.

La primera de ellas tendría ya el germen de una vocación social. Se trataba de los Proyectos murales, que envolvían la fe en la democratización del arte por medio de lo participativo, lo lúdico y lo público. A este le seguirá Parénquimas, Objetos rítmicos móviles y, por último, Inestabilidad en el plano, que lo aproximó a su nuevo camino.

Construcción en negro, blanco y rojo

Del ciclo Inestabilidad en el plano, destacamos la obra Construcción en negro, blanco y rojo, en el que se observan ya los elementos propios del cinetismo: el estudio de las ilusiones ópticas mediante la descontextualización de los elementos geométricos y el color.

Couleur Additive. Série 32 Uno 4 ABD

Hacia 1950, las investigaciones de Cruz-Diez lo llevan a plantear en sus obras el principio de color aditivo (couleur additive), a partir del cual elabora una serie que lo acompañará a lo largo de los años. En ésta, el artista trabaja el concepto de la irradiación del color, según el cual, al contacto de dos planos de color, se forma la ilusión de una línea más oscura. Esto fue llamado por Cruz-Diez como “módulos de acontecimiento cromático”.

Fisiocromía (Banco Central de Venezuela)

Physichromie o fisiocromía es una serie que Carlos Cruz-Diez comenzó a desarrollar a partir de 1959. Tal como se describe en la página oficial del artista, recibe este nombre por “poner en juego el color luz, el color físico”. Esta serie trabaja estructuras en las que la percepción del color se ve modificada por el desplazamiento del espectador en el espacio y la incidencia de la luz ambiental.

Induction du Rouge

La inducción cromática (induction chromatique) es un concepto basado en el principio de persistencia retiniana, según el cual, tras fijar la mirada un instante sobre un color, este permanece en la retina y, al observar otra superficie de color diferente, esta se ve modificada por la persistencia del anterior. Sobre este concepto se erige la obra Induction du rouge.

Ambiente con cromointerferencia

La serie cromointerferencia (chromointerférence) fue desarrollada a partir de 1964, cuando en su taller el artista observó cómo se modificaba el comportamiento del color al cruzar las tramas de dos láminas en movimiento.