2 artistas Latinoamericanos de arte cinético

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Sabemos que el arte cinético es parte de las corrientes artísticas que representan el modernismo, además que esta va avanzando a medida que nuevos artistas van surgiendo (no solo en Venezuela sino en cualquier parte del mundo y en especial, Latinoamérica)

Es por esta razón, que hoy queremos compartirte la vida y trabajos realizados por dos artistas latinoamericanos que ejecutan obras dentro del arte cinético y detallaremos cuál sería el aporte de ellos para este tiempo.

Iván Contreras-Brunet

Iván Contreras Brunet, es un pintor y escultor chileno que nació en la ciudad de Santiago el 19 de febrero de 1927. Como parte de su preparación académica, Contreras- Brunet ingresó a la Escuela de Bellas Artes de Santiago en el año de 1949 donde fue alumno del también artista plástico Gregorio de la Fuente y Marta Colvin.

Para el año 1952 el artista chileno residió en París, donde desarrolló la mayor parte de su carrera y en 1968, fue fundador del grupo Co-Mo, Constructivisme et Mouvement que lo une al trabajo de otros artistas europeos y latinoamericanos como Vantogerloo y Jesús Rafael Soto quienes revitalizaron la tendencia plástica comenzada en 1913 por los rusos Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko. Vivió en Nueva York, Estados Unidos desde 1957 a 1961. Volvió a radicarse definitivamente en París en 1961.

Cabe destacar, que fue el primer chileno en representar a nuestro país en la Bienal de Venecia en 1972. Es miembro del comité organizador del Salón Comparisons que se efectúa en París desde 1955, en el que se muestran obras de las más diversas tendencias que se desarrollan en materia de Artes Plásticas.

El trabajo presentado por el artista presenta relieves y esculturas exentas, las cuales se encuentran colocadas sobre el piso o suspendidas. Hay que destacar que posee una extraordinaria habilidad, para manipular un estilo cinético que se encuentra basado en el doblando, cortando, sobreponiendo o suspendiendo mediante leves ataduras frente a un fondo plano, también enmallado, cuadrados, rectángulos o círculos que parecen flotar.

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Martha Boto

Pintora y escultora argentina que demostró dentro de sus trabajos las distintas variaciones ópticas de la luz y el color, así como del movimiento. Asimismo, Boto fue miembro un miembro de la Asociación Arte Nuevo que fue creada en el año 1955 por el poeta Aldo Pellegrini y por el artista Carmelo Arden Quin. También en el año 1956 formó parte del grupo Artistas No Figurativos Argentinos.

 En 1959 se instaló definitivamente en París donde tomó contacto con el Movimiento Op-art y Arte Cinético. Sus obras cinéticas y ópticas se orientaron a la yuxtaposición de relieves estáticos o móviles, experimentando con el azar, el juego y el movimiento. En 1960 participó de la primera Bienal de París.

 En 1969 realizó su primera exposición individual en la galería Denise René. Sus obras participaron de exposiciones en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía en Madrid en 2007, en el Museo de Bellas Artes de Houston en 2009 y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires en 2012, entre muchas otras.

Su obra está incluida en colecciones públicas y privadas como el Centre Georges Pompidou, Fondo Nacional de Arte Contemporáneo y el Museo de Arte Moderno de París, Francia; el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), la Fundación Torcuato Di Tella y el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil; la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, Italia; el Museo de Arte de Tel Aviv, Israel; el Museo de Bellas artes de Houston (MFAH), Texas, USA; entre muchas otras.

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Es importante resaltar que ambos artistas plásticos han aportado en gran manera a esta corriente artística, por lo que su nombre se encuentra en la lista de los mejores exponentes dentro del continente.

La estética dentro del arte cinético

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Cuando estudiamos la belleza de la naturaleza de las obras de arte e involucramos el análisis de la perspectiva a la cual el pintor realizó su trabajo y lo que quería transmitir a través de cada trazo, estructura y simbolismo, podemos indicar que estamos apreciando la estética de la obra (y esto dentro del arte es sumamente valioso).

La estática la podemos definir como el análisis de la naturaleza y la belleza por parte de los individuos, los cuales pueden estar estrechamente relacionado con las artes. Su nombre deriva del latín moderno aestheticus, y también del griego aisthētikós que significa “percepción o sensibilidad” a través de los sentidos.

Cuando se valora una obra de arte como “bella” o “sublime” el crítico debe utilizar sus conocimientos sobre el arte y emitir su juicio estético. A su vez, el concepto de estética ha evolucionado con el tiempo y se han dividido en varias corrientes, algunas de ellas pueden ser los siguientes:

  • La estética clásica: Fue un concepto desarrollado durante la Antigua Grecia, en especial cuando estaban los romanos. Allí se desarrolló el fundamento de las nociones futuras de lo bello en Occidente. Para ellos, lo bello, lo bueno y lo verdadero eran una sola cosa, y su naturaleza tenía que ver con la mesura, la armonía, la justicia y la adecuación al ideal de una época.
  • La estética medieval: Este tipo de corriente nació durante el Medioevo, donde fue una época mayoritariamente religiosa en Occidente, en la que el pensamiento cristiano imperó por encima de los demás. Así, el concepto de belleza tenía que ver con los valores fundamentales cristianos: la fe en Dios, el sacrificio, la pasión y la pureza, o sea, con la moral más que con las apariencias.
  • La estética moderna: Se desarrolló durante el Renacimiento, cuando se rompió con la tradición cristiana y reivindicó lo clásico en el marco de las ideas del humanismo y la Ilustración, para quienes pensaban a la razón como un concepto central. Las ideas de belleza de la época se atribuían a lo planificado, lo estructurado, lo simétrico y lo armónico. Se pensaba a la belleza a partir de la perfección y el orden, sin dar espacio a la extravagancia o la desproporción.
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Bajo este concepto, el arte cinético también se levanta y a su vez crea una percepción de la estética según el color, forma de la estructura y armonía, que juntos hacen un espectáculo para la vista de las personas.

Entre las características propias de la estética, el arte cinético abarca varias que permiten que pueda entrar en armonía, algunas de ellas son las siguientes:

  • Cualidades sensoriales: El arte cinético permite que las personas que lo observen tengan una experiencia sensorial, ya que el artista puede hacer que un objeto sea agradable a los sentidos (por ejemplo, su textura, sus colores, su brillo o su timbre).

Además, estas cualidades se perciben mediante los sentidos y, según quién las experimente, varía el placer que producen. Por ejemplo, si una obra cinética permite que la persona pueda atravesarla, entonces garantiza una experiencia sónica y táctil.

  • Cualidades formales: Esto se encuentra conformado por el modo en que en el objeto se combinan los elementos que lo componen, o la relación que puede percibirse entre ellos. Por ejemplo, dentro del arte cinético se conforma por formas y colores, si estos unidos tienen armonía entonces puede tener este tipo de cualidades.
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  • Cualidades vitales: Refieren al contenido existencial o vivencial de un objeto, es decir, a las ideas que evoca, a los sentimientos que transmite o a las vivencias que recupera. Un ejemplo de ello, es cuando los artistas reflejan parte de su historia o experiencias en cada obra.

Elías Crespín: Nueva era del arte cinético

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Muchos son los artistas latinoamericanos que se han destacado dentro del arte cinético. Carlos Cruz Diez, Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero, entre otros, han abierto paso con el tiempo a la generación de relevo dentro de este estilo de arte, dando la pauta en cuanto a color, movimiento y creatividad. Entre los exponentes de esta nueva generación se encuentra Elías Crespín.

Este artista venezolano empezó a escucharse desde el 2020, cuando el 25 de enero presentó una obra de arte cinético es ahora parte de la colección permanente del Museo del Louvre, dando así mucho de qué hablar.

Es considerado el primer artista latinoamericano en tener una obra en este museo y lo más resaltante es que sus obras se han desarrollado principalmente en el exterior, aunque al inicio de su carrera expuso en algunas galerías y museos del país.

Este artista nació en el año de 1965 en Caracas (Venezuela), y estudió ingeniería informática. Aunque usted no lo crea, por sus venas corre sangre artística ya que es nieto de Gego y Gerd Leufert, además de ser hijo de matemáticos, cosa que le agrega un plus significativo dentro de su arte.

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Durante su desarrollo artístico pudo tener contacto con artistas, amigos de sus abuelos, y haber atestiguado sus procesos creativos deben haberlo impactado de alguna manera. Su primera obra fue Malla Electrocinética I (2004), la cual le tomó dos años de trabajo. Conjugar sus dos universos de pertenencia, el arte y la informática, han hecho que produzca obras que en esencia son una reflexión matemática sobre el movimiento.

En el 2018, Crespin fue comisionado por el Museo del Louvre, para el cual desarrolló “L’Onde du Midi” (2020), una escultura móvil a gran escala en la cual 128 cilindros de metal penden de cables de nailon conectados a motores programados que generan movimiento de manera algorítmica.

Las ondulaciones y transformaciones de la pieza crean una coreografía cuyo motivo son las líneas y planos de la arquitectura del museo, materializando la abstracción de las continuidades formales entre la obra y el espacio. La investigación de Crespin concierne al tiempo, la forma y el movimiento; no como elementos cinéticos atados a la estética, sino como elementos matemáticos vinculados al análisis y a la programación.

Sus obras han sido expuestas en varias exposiciones internacionales individuales y colectivas entre las que destacan, la Exposición Internacional en Astana; la XIII Bienal de Cuenca; la Bienal de Busan Corea en; el Grand Palais; la Maison de l’Amérique Latine; el Musée de la Musique de París; el Musee de Louvre; la Fondation Boghossian; la Verrière Hermès de Bruselas; The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH); y el Ullens center for contemporary art en Beijing.

La obra

L’Onde du Midi pertenece a la categoría de «Plano Flexionante», está formada por 128 tubos cilíndricos alineados paralelamente, suspendidos en el aire por hilos transparentes, que constituyen un plano horizontal rectangular de casi diez metros de largo (1,50 x 9,50 m) cuando está en reposo. Al accionarse en el espacio, alcanza una amplitud de 3 a 4,50 metros de alto, al ritmo de secuencias establecidas mediante algoritmos numéricos.

Esto sin duda representa una especie de “coreografía ondulatoria”, en donde la linealidad mecánica está ausente, privilegia la lentitud y favorece la contemplación. Frente a ella, el espectador se ve sumergido en una danza lenta y grácil de formas infinitas e impredecibles.

Su configuración espacial es aleatoria y nos sorprende continuamente, a través de formas que se expanden, aplanan y difractan; pasando del orden al caos, de lo simple a lo complejo. Asimismo, la escalera meridional se transforma así en el escenario de un silencioso ballet, brindando al visitante un alto en el camino y una vista espectacular. 

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Arte tridimensional: concepto, características y tipos

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Cuando un artista plástico realiza obras de arte que tengan alto, ancho y largo podemos afirmar que esta obra tiene características de ser un arte tridimensional y explicaremos de qué se trata esto.

El arte tridimensional consiste principalmente en lo expresado anteriormente, que es una obra donde se puede observar lo alto, ancho y largo de la misma, y que, en comparación con el arte bidimensional, este ya tenía presencia desde la antigüedad donde se observaban esculturas y edificaciones artísticas propias de la época.

Esta representado por formas que pueden ser geométricas y orgánicas, las cuales pueden ser apreciadas desde cualquier ángulo o perspectiva, a diferencia de las obras de arte bidimensionales, que solo pueden ser vistas de frente y esto es parte de las características que pueden presentar el arte cinético, ya que el espectador la puede observar de diferentes ángulos.

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Dentro de estas obras de arte existen diversas técnicas que se aplican para darle el “toque especial” que marcará la diferencia. Por ejemplo, dentro de las técnicas tridimensionales, las obras de arte son de carácter Plásticas-Escultóricas, esto quiere decir que tienen tres dimensiones: Largo, Alto y Profundidad; la Profundidad es limitada entre la pared o superficie de fondo y el primer plano o superficie de la Obra se le llama “Relieves”.

Entre los materiales más utilizados para la creación de obras tridimensionales se encuentran la forma de tallas (piedra o madera), modelado (arcilla, cera), fundición y soldadura. Estas por lo general tuvieron una presencia fuerte durante los primeros años y siglos de la civilización, ya que en la prehistoria el hombre modeló objetos de arte con fines mágico-religiosos, y como herramientas de trabajo y defensa.

Los primeros objetos de arte prehistórico fueron creados en el Paleolítico inferior. El hombre fabricó flechas (bifaz) y cuchillos de sílex utilizando otras piedras; con estos utensilios podía defenderse. Estos instrumentos también le permitían cazar, descuartizar y cortar la carne de los animales.

Asimismo, también dentro del arte tridimensional se puede observar la producción de figuras abstractas o figurativas, como el huecograbado, el relieve o la ronda. En la arquitectura los primeros monumentos de piedra construidos por las sociedades primitivas son los antecedentes más lejanos del arte tridimensional.

Dentro del arte cinético, el arte tridimensional es muy evidente, por eso artistas venezolanos como Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, entre otros, implementan este tipo de expresión. Por esta razón, te compartimos 3 obras plásticas que demuestran los principios del arte tridimensional dentro del arte cinético:

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La Esfera de Soto

En el distribuidor Santa Cecilia de la autopista Francisco Fajardo se encuentra esta obra de arte, creada en 1996. También conocida como la Esfera de Caracas, está conformada por 1800 varillas de aluminio, que representa una repetición de líneas que se pueden apreciar en 360º.

Actualmente es un símbolo capitalino y muchos caraqueño la visitas para realizar fotos, videos o disfrutar del paisaje.

Cubo virtual con progresión amarillo

Esta obra fue realizada como camuflaje de un ducto de ventilación de la estación Metro Chacaíto, es una obra a escala urbana, que se puede percibir como dos piezas separadas, pero están integradas por la continuidad del espacio, entre la parte externa (Plaza Brión) y la parte interna de la estación (mezzanina de la estación Metro Chacaíto).

El cubo suspendido está formado por varillas azules y negras en el aire. Además del efecto visual, se complementa con el sonoro, debido a que las varillas generan un sonido al ser movidas por el aire.

La progresión amarilla está formada por varillas amarillas en líneas de menor a mayor, creando una prisma triangular virtual.

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Penetrable Azul

Esta es una obra que requiere la participación del espectador. Se encuentra en el museo Chateau Lacoste, en Francia. Esta es una de las muchas versiones que el artista ha realizado para conectar con las personas sin importar región y edad, debido a que su arte es universal.

En Venezuela, también hay versiones de Penetrables, donde las personas van a realizar fotos y videos creativos, generando una experiencia única para compartir con familiares y amigos.

Jesús Rafael Soto, fue y es una artista innovador que impacto con su arte a las sociedades del mundo, una nueva visión del cinetismo interactivo para los amantes del arte y enamorar a quienes visiten sus obras.

Qué es un movimiento lumínico

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Dentro de las obras de arte cinético, normalmente existe una fusión entre el movimiento y el color, haciendo de cada obra un espectáculo que capta todos los sentidos. Si a esto le agregamos luces, entonces podemos decir que estamos también ante un movimiento lumínico que se complementa dentro del cinetismo. Para entender un poco sobre esto, sigue leyendo este artículo.

La energía lumínica o energía luminosa se puede definir como una energía transportada y compuesta por las ondas de la luz, que no es más que un tipo de radiación electromagnética, compuesta por partículas llamadas fotones.

Normalmente la luz se encuentra dentro de una franja del espectro electromagnético que nuestros ojos son capaces de detectar. Además, existe la luz visible que está entre las zonas infrarrojas y ultravioletas del espectro, tiene un rango particular de frecuencias, longitudes de onda y energías.

Es importante destacar que la luz se transmite a través de materiales o incluso en el vacío, ya que es una forma de radiación por eso argumentamos que la luz dentro del arte cinético lo complementa a la perfección. La partícula elemental asociada a la luz se denomina fotón y como tal se comporta a la vez como materia y como onda.

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En tal sentido, la energía lumínica está íntimamente relacionada con la cantidad de luz visible que se considere en una situación, teniendo cuidado de diferenciarla de la energía radiante, donde se incluyen otras radiaciones electromagnéticas de frecuencias que son imperceptibles para el ojo humano, como los rayos X, por ejemplo.

Además existen dos maneras de obtener esta energía:

Naturalmente. La energía lumínica es producto de cierto tipo de reacciones químicas exoenergéticas, o sea, que liberan energía, como las que tienen lugar dentro de las estrellas, como el Sol. De hecho, el Sol es nuestra gran fuente de energía lumínica cotidiana.

Artificialmente. Puede generarse la energía lumínica a través de distintos mecanismos físico-químicos, como la combustión, o también mediante la electricidad, tal y como hacemos a diario al encender un bombillo.

La rama de la ciencia encargada de estudiar la relación entre la luz y el sistema visual es la fotometría. Es por ello que entre las modalidades del arte cinético se pueden dividir en dos grandes grupos:

  • Movimiento Lumínico: Que consiste en los cambios constantes de la luz, color y trama.
  • Movimiento Espacial: Que es el llamado cinetismo, ya que sus movimientos son perfectamente captados por el público que contempla la obra.
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Ambas modalidades del arte fueron tendencia que se dieron paso a principio de los años sesenta y llegando a su máxima popularidad a finales de los años sesenta en París. El arte cinético se ve materializado en las exhibiciones que se llevaron cabo en diversas partes del mundo como en Zúrich y los Países Bajos, siendo este tipo de arte lo más llamativo para la época.

En si el Arte Cinético parte de que el movimiento es su primordial estructura, lo que significa que la cinética se interrumpe porque la pintura puede tener una posición estática que hace que sea una exposición de la obra; como algo que se mueve que no solo refleja que pueda estar en movimiento sino que está moviéndose, como por ejemplo las obras expuestas por el artista Alexander Calder, ya que sus obras no importa en la posición o ángulo que se encuentre el movimiento siempre será independiente.

Es importante destacar que hay artistas que este tipo de elemento puede ser incluido dentro de la presentación de sus obras y que aportan diversos sentidos de acuerdo a como lo capta el ojo de la persona que lo está observando. Mientras tanto, sigamos definiendo elementos que conforman el arte cinético y que le dan esas características únicas

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Conoce el coloritmo de Alejandro Otero

Conoce el coloritmo de Alejandro Otero Claudio Antonio3 - Conoce el coloritmo de Alejandro Otero

Alejandro Otero es un artista plástico venezolano que ha dejado en alto el nombre del país, por sus increíbles obras de arte, su mística al momento de trabajar y cómo lleva el arte cinético al próximo nivel.

En este sentido, una de las obras que más ha destacado Otero desde su trayectoria es la llamada “Coloritmos” que marcó un hito durante la década de los 50 dentro del arte moderno de Latinoamérica dentro del siglo XX, siendo esto muy característico e impresionante. A lo largo de la vida del artista venezolano escribió diversos textos que fueron publicados en entrevistas y libros de arte que proporcionaron información sobre el origen, desarrollo y destino de cada una de las obras que conforman este trabajo.

Esto a su vez, fue insuficiente para los amantes y conocedores del arte, puesto a que no se contaba con un documento que aclarara totalmente las dudas de la obra, quedando a la interpretación de los especialistas, coleccionistas y público en general.

Conoce el coloritmo de Alejandro Otero Claudio Antonio1 - Conoce el coloritmo de Alejandro Otero

Pero, lo que se conoce de la obra de Otero es que a raíz de esto se realizó el libro Los coloritmos de Alejandro Otero: Catálogo razonado, el cual habla sobre esta obra de arte siendo el primer estudio en profundidad que reúne, en un volumen editado, los resultados de la investigación de casi dos décadas realizada por Juan Ignacio Parra S. y Rafael Romero D.

Asimismo, dentro del ensayo existe una especie de “apertura”, donde se analiza la visión de la curadora y especialista en conservación de archivos, Lourdes Blanco, la cual buscó evidencia documental que sustenta todo catálogo razonado. Dentro de esto sus comentarios son especialmente valiosos si se toma en cuenta que se trata de un producto prácticamente ausente en el contexto editorial venezolano.

Por su parte, Rafael Romero D. ofrece un detallado reporte de la investigación, donde describe los aspectos técnicos, históricos, de procedencia y bibliográficos, entre otros que se abordaron para el registro de los Coloritmos. Con esta información se organizaron las obras de acuerdo con la numeración asignada por el artista a cada ejemplar y se elaboró la presentación final según las exigencias de un catálogo razonado.

La Obra

Para que los amantes del arte puedan comprender la importancia y  trascendencia que tiene los Coloritmos de Otero, es importante tomar en cuenta su contexto histórico en el cual se desarrolla esta obra. La misma se desarrolla a principios de 1950, cuando Alejandro Otero se encontraba en Francia, donde tuvo noticias del programa de intervención artística que comenzaba a gestarse para la futura Ciudad Universitaria de Caracas.

 Bajo este contexto, la obra del arquitecto Carlos Raúl Villanueva, el proyecto de la nueva sede para la universidad había tenido un inicio de inspiración academicista. Pero, después de la construcción de los primeros edificios, el arquitecto decidió dar a su obra un giro hacia un estilo plenamente moderno.

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Es allí donde surgió la convocatoria a un grupo de reconocidos artistas extranjeros y venezolanos, entre ellos Otero, quienes con sus creaciones dieron en el contexto regional un fuerte apoyo a las tendencias abstractas. El resultado de aquella singular experiencia es lo que hoy en día se conoce bajo el nombre de la Síntesis de las Artes.

Al igual que el proyecto de Villanueva, otros planes de mejoramiento urbano en varios lugares de Venezuela se plantearon seriamente la participación de artistas visuales. Seguramente influenciado por estas iniciativas, Alejandro Otero viajó a Holanda en el invierno de aquel año y encaminó sus estudios hacia la obra de Piet Mondrian.

Es importante resaltar, que esta obra es la primera consecuencia de aquella travesía fue el viraje de su trabajo hacia la abstracción geométrica. En este lenguaje encontraría el cauce de la nueva era que vislumbraba para la expresión del arte de su país. Esto sin duda, es una clara razón del valor que tenían entonces la arquitectura y el espacio público como condicionantes de la obra, le hicieron ver que el futuro del arte en América Latina se vislumbraba fuera de los muros del museo.

¿Qué materiales se utilizan para el arte cinético?

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Sabemos que el arte cinético es un movimiento artístico el cuál se desarrolló por primera vez en 1920, y que consiste en que las obras tienen algún movimiento o parecen tenerlo, por lo que suelen interactuar con elementos en el “exteriores” como pueden ser el viento o el agua; algunos tipos de motores; e incluso la luz o el electromagnetismo.

Dentro de esta corriente artística se puede a su vez clasificar en tres tipos de estructuras que se observan dentro del arte cinético, como lo son:

  • Los estables: este tipo de obras tienen un carácter fijo, lo que permite que el espectador pueda rodear la obra y percibir en diferentes ángulos el movimiento.
  • Los móviles: por su parte, las obras móviles producen un movimiento real, y por tanto van cambiando su estructura constantemente. Siendo «heraclitianos», a cada instante nace una obra distinta.
  • Los penetrables: Son obras son ensamblajes en espacios reales y el espectador debe recorrerlas, penetrar en ellas, siendo el espectador el productor de movimiento.

Entre las características del arte cinético se basa en la búsqueda de movimiento, pero también en la mayoría de las obras el movimiento es real, no virtual. Para realizar la obra el artista se plantea y sigue una estructura rigurosamente planificada.

Por lo general, los materiales utilizados para realizar obras cinéticas deben ser fáciles de manipular, de cambiar su forma y que aporten dinamismo. Los más comunes son el acero, el metal o la madera, y son accionadas mediante mecanismos impulsados por agua o por alguna fuerza motriz. Definamos cada uno de estos:

Es uno de los materiales utilizados no solo dentro del arte cinético sino también dentro del arte moderno. El acero normalmente se utiliza para esculturas al aire libre, el cual permite que pueda resistir al paso del tiempo y los constantes cambios de la naturaleza.

El acero también es utilizado dentro de los soportes metálicos que se utilizan en la escultura pintada, los cuales son generalmente de este material que pueden ser aceros al carbono, acero corten, acero galvanizado, aluminio y bronce.

Los más empleados en las esculturas al aire libre son aluminio y acero carbono siempre que vayan a ser cubiertos por capas de pintura. Por eso es importante que lo tengas en cuenta. Este también se emplea en escultura es de tipo laminado. Sigue un proceso que se puede desarrollar en caliente o en frío.

En cuanto a escultura contemporánea, normalmente se emplea un acero en forma de planchas de acero que luego son soldadas.

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Este material es considerado un elemento ligero, flexible, moldeable y que presenta una gran resistencia a la tensión, por lo que es ideal al momento de utilizarlo para realizar alguna obra de arte.

Gracias a las vetas y la gran variedad de su textura, este le proporcionan una gran belleza natural y muchos objetos artísticos, decorativos y musicales han surgido del trabajo de artistas, luthiers y artesanos. Mediante instrumentos cortantes y abrasivos la madera va tomando diversas formas, dimensiones y usos.

Hasta la fecha existen miles de instrumentos que se ha inventado desde el comienzo de la historia de la humanidad quedan clasificados en tres tipos fundamentales. En los de viento las notas son emitidas al producirse rápidas vibraciones en la columna de aire que contienen sus tubos.

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  • Metal:

Al igual que el acero, el metal es utilizado dentro del arte cinético ya que es un material resistente, que proporciona durabilidad a la obra y es totalmente maleable. Lo que hace que algo básico se pueda convertir en extraordinario.

Tanto el hierro y el acero protagonizan muchas obras de arte y esculturas hoy en día. Algunas se exponen en interior y otras en exterior, pero lo cierto es que es posible encontrar mucha variedad. Con esculturas pequeñas o grandes, de todo tipo.

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