3 artistas del arte cinético

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El arte cinético ha evolucionado a medida que pasa el tiempo y ha generado una serie de artistas que han aportado un grano de arena a la construcción de este arte como lo conocemos actualmente. Dejando a un lado las limitantes de la época e inyectándole dinamismo, modernismo y mucho color a cada obra.

Por eso, te presentamos tres artistas plásticos europeos importantes que aportaron al crecimiento del arte cinético en el mundo:

Fue un pintor francés el cual perteneció al movimiento del arte conceptual y formó para el año 1967 el movimiento artístico que bajo las siglas BMPT se presentó en la capital francesa en 1967. Tras finalizar sus estudios secundarios Buren se matriculó en la Ecole Nationale Supérieure des Métiers d’Art de París y consiguió el título de licenciado en Bellas Artes en la especialidad de pintura en 1961.

Para el año de 1966 su amistad con los artistas Olivier Mosset (1944), Niele Toroni (1937) y Michel Parmentier, fue de gran importancia e influencia, tanto que esta unión ayudó a la creación del grupo BMPT. Este grupo se encontraba fuertemente influido por el Situacionismo propagado por Guy Debord en su libro “La sociedad del espectáculo”, y el cual propugnaba una interactividad entre el individuo y su entorno.

Su primera exposición conjunta se inauguró el 3 de enero de 1967 con motivo del XVIII Salón de Pintura Joven de París. Los cuatro artistas presentaron varios lienzos que tenían en común la sobriedad formal y su gran formato. Para cuestionar, tanto su obra como el certamen en el que se exhibía, al día siguiente de la inauguración, Buren, Mosset, Parmentier y Toroni descolgaron sus lienzos para, según ellos «desolidarizarse de manera definitiva de todos los salones parisienses».

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  • Jean Tinguely

Fue uno de los artistas más originales del siglo XX,  ya que su trabajo se centró en el movimiento expresado en términos futuristas dando vida a objetos cotidianos. Juntos como un solo ser hizo robots impulsados por la «mecánica del azar».

Tinguely fue un pintor Suizo que desde temprana edad comenzó sus estudios como decorador y entró en la Escuela de Artes Aplicadas de Basilea. Allí conoció a su primera novia, Eva Aeppli, y realizó sus primeras esculturas de metal como Stabilé II (c. 1948). Desde el principio, la influencia de Alexander Calder, Vassilij Kandinsky se hizo evidente en su trabajo.

En 1955, Tinguely participa en la primera exposición sobre arte cinético de la Galería Denise René. También se incluyeron en la muestra las obras de Alexander Calder, Marcel Duchamp y Victor Vasarely. En 1959, Tinguely inaugura la serie Meta-Matics: esculturas mecánicas que dibujan por sí mismas y funcionan con gasolina. Se exhibieron varios modelos en la Galería Iris Clert, así como una versión monumental durante la primera Bienal de París, bajo el asombro de André Malraux.

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Vásárhelyi Győző, rebautizado en Francia como Victor Vasarely, fue el padre del Op art, una tendencia artística de corte abstracto desarrollada sobre todo en los años 60, que se basa en jugar con nuestros ojos para conseguir imágenes que simulan movimiento y toda suerte de ilusiones ópticas.

El artista plástico comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero eso no era lo suyo. Se interesó más bien por el arte abstracto de Mondrian y Malévich, gente muy interesada por lo que la geometría podría aportar al arte.

Vasarely llamó a todo esto cinética visual (cinétique plastique) y se basaba en la percepción del espectador que al final, se considera el único creador de la obra. O más bien el ojo del espectador, un miembro del cuerpo humano muy fácil de engañar.

El arte de Vasarely es pues un timo, una estafa, un engaño. Un engaño en el buen sentido de la palabra, si es que la palabra tenía buen sentido. Al menos Vasarely se lo dio.

Conoce el móvil de Calder

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Los móviles de Calder son una escultura cinética con movimiento que fue creada por el artista y escultor Alexander Calder que por lo general cuelga del techo (los que no cuelgan, se llaman “standing mobile”, algo así como “móvil de pie”). Estos  móviles están compuestos por piezas que suelen tener formas abstractas, y son movidos por un motor o simplemente por las corrientes de aire.

 Entre los datos curiosos que pueden tener esta obra se encuentra que  esta escultura animada fija nuestra atención y estimula nuestra imaginación de las personas que la observan, y aunque en la actualidad numerosas marcas comerciales utilizan el principio del móvil de Calder para sus campañas publicitarias. En Lieja, la ciudad belga junto al Mosa, existe un móvil de Calder, cuyos movimientos están coordinados con unos juegos de luz y de música.

Es importante que sepamos que Alexander Calder fue un ingeniero y escultor estadounidense que durante su carrera artística se trasladó a París en los años 20 y comenzó a crear figuras de animales en madera y alambre. 

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A medida que fue pasando el tiempo pasó de algo simple hasta llegar a la abstracción, donde  descubrió que ganaban en dinamismo si se movían en realidad. Es allí donde nacieron sus innovadores móviles o chupin (juguetes móviles colgantes), que acabarían por ser el germen de la escultura cinética.

Sus móviles (bautizados así por Marcel Duchamp) eran complejas estructuras de formas orgánicas abstractas, que por lo general se encuentran suspendidas en el aire, donde se balancean de forma suave y armónica. El movimiento rotatorio, casi imperceptible, consigue que las piezas de esas esculturas van cambiando de forma, haciendo infinitas esculturas de una sola.

A su vez el artista se interesó por las sombras que proyectaban sus móviles, tan cambiantes como la pieza en sí, por lo que empezó a cuidar la iluminación de los espacios expositivos. Además, otro factor interesante y novedoso fue el sonido, y lo tuvo en cuenta en sus obras, ya que estas estructuras chocaban unas con otras.

Una influencia básica en su obra, además de Arp, fue la de Mondrian, artista que le causó un gran impacto por su serena sencillez y sus colores puros. A modo casi de homenaje, Calder apenas se sirvió de colores en su obra. Negros y blancos fueron sus favoritos, con el añadido ocasional de los tres primarios y un par de secundarios. Sin duda esta obra artística ha transcendido en el tiempo y aún se mantiene vigente.

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Albert Gleizes: pintura y movimiento

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El cinetismo, como ya lo hemos explicado en ocasiones, no solo se puede detallar en esculturas, también en la pintura puede existir una gran influencia de esta corriente artística. Muestra de ello es el pintor francés Albert Gleizes quien en el año 1881-1953, describió la filosofía creativa cinética.

Gleizes es considerado como un  filósofo ideal de las artes que desarrolló su trabajo a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en Europa, y específicamente en Francia, donde nació.

Entre sus teorías y tratados de 1912 que hablaban del cubismo le dieron una reputación reconocida en cualquier discusión artística, por lo que su reputación le permitió actuar con una considerable influencia al apoyar el estilo plástico o el movimiento rítmico del arte en los años 1910 y 1920.

Asimismo, el pintor francés publicó una teoría sobre el movimiento, la cual se articuló dentro de sus teorías sobre los usos psicológicos y artísticos del movimiento en conjunción con la mentalidad que surge al considerar el movimiento. En tal sentido, afirmó repetidamente en sus publicaciones que la creación humana implica la renuncia total a la sensación externa. Eso para él es lo que hace que el arte sea móvil cuando para muchos, incluido Rodin, es rígida e inamovible.

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Cabe destacar, que Gleizes hizo hincapié en la necesidad de que el arte tuviera un ritmo, ya que  Para él, el ritmo posee un significado que involucra la coincidencia visual que debe ser agradable de las figuras en un espacio bidimensional o tridimensional.

Explicó que las figuras deben espaciarse matemáticamente o sistemáticamente para que parezcan interactuar entre sí y que las figuras tampoco debería tener características que sean demasiado definidas por lo que se necesitan tener formas y composiciones que son casi confusas, y desde allí el espectador puede creer que las figuras se están moviendo en ese espacio confinado.

Hay que recordar que las pinturas, esculturas e incluso obras planas de artistas de mediados del siglo XIX se debían mostrar cómo las figuras podían transmitir al espectador que había un gran movimiento contenido en un cierto espacio. Como filósofo, Gleizes también estudió el concepto de movimiento artístico y cómo eso atraía al espectador. Gleizes actualizó sus estudios y publicaciones durante la década de 1930, justo cuando el arte cinético se estaba haciendo popular.

Entre su trabajo podemos destacar los siguientes aspectos:

  • Como parte de su primera etapa abarca obras realizadas entre los años 1901 y 1909, en las que se inspira en el impresionismo y el simbolismo social.
  • Siguió pintando mientras servía en el ejército francés entre 1903 y 1905 exponiendo dos pinturas en el Salon d’Automne, una exposición anual de artistas independientes en 1904.

Conoce a Alexander Calder

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Cuando hablamos de exponentes del arte cinético no podemos dejar de nombrar al estadounidense Alexander Calder, quien fue un ingeniero y escultor que se trasladó a París (Francia) en los años 20 para no solo crear figuras sino conocer más del arte en movimiento.

Entre sus primeros trabajos fue el crear animales con madera y alambre, pero poco fue transformando su técnica hasta el punto de simplificarla y llegar finalmente a la abstracción, donde descubrió que al utilizar esta técnica ganaba dinamismo en sus obras, ya que las mismas se movían en realidad, naciendo sus innovadores móviles o cómo se le conocía en ese momento chupin, siendo esto una pequeña semilla para la escultura cinética.

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Posteriormente, Calder empezó con esculturas relativamente pequeñas, pero con el paso de los años estos trabajos fueron creciendo hasta llegar a esculturas monumentales, que acabaron las calles y plazas de las principales ciudades del mundo. Sus móviles (bautizados así por Marcel Duchamp) eran complejas estructuras de formas orgánicas abstractas. Normalmente estos trabajos se encontraban suspendidos en el aire y se balanceaban de una manera suave y armónica, además podían moverse de manera rotatoria y casi imperceptible al ojo.

Otra de las cosas que implementó el artista es que a través de sus obras se podía observar las sombras que proyectaban sus móviles, siendo estas tan cambiantes como la pieza en sí, por lo que Calder empezó a cuidar la iluminación de los espacios expositivos. Además, otro factor interesante y novedoso fue el sonido, y lo tuvo en cuenta en sus obras, ya que estas estructuras chocaban unas con otras.

También  se pudo destacar particularmente Steel Fish y Red Petals.  El gran éxito de los móviles explica que el creador recibiera encargos de los más diversos países y que sus obras embellezcan algunas de las principales ciudades del mundo.

Otros datos

Alexander Calder nació el 22 de julio de 1898, en Lawnton, Pensilvania, EE.UU. Hijo del escultor Alexander Stirling Calder y la pintora Nanette Lederer Calder. Nieto del escultor Alexander Milne Calder, escocés, quien esculpió la estatua de William Penn en la cima de la torre de la municipalidad de Philadelphia, EE.UU.

Contrajo nupcias con Louisa James el 17 de enero de 1931. El enlace tuvo 2 hijas: Sandra y Mary.

Obtuvo el título de Ingeniero en el Instituto Stevens de Tecnología (1919), asistió a clases nocturnas de dibujo en La New York Public School, luego se unió a la Liga de Estudiantes de Arte de Los Ángeles (1923) e ingresó en la asociación Abstraction-Creation (1931).

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Conoce la importancia del color en el arte

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Cuando caminamos por la calle, al revisar el teléfono móvil o simplemente al vernos a través del espejo podemos observar un sinfín de colores que se encuentran a nuestro alrededor y que de una manera u otra puede expresarnos (sin hablar) sobre alguna emoción, sentimiento o composición. El arte, no es excepto del color, y muestra de ello son las innumerables muestras de arte que existen alrededor del mundo que están llenos de color.

Dentro del arte y el diseño el color juega un papel importante puesto a que es un lenguaje que permite transmitir un mensaje y que a su vez, cómo lo indicamos anteriormente está ligado a una emoción muchos artistas han tomado el color como una manera de expresar un mensaje “secreto” a su audiencia ya que puede representar el dinamismo, pasión o incluso sofisticación en sus obras.

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Hay cosas que hay que tomar en consideración al momento de hablar del color, entre ellas se encuentra:

  • El color tiene mucho poder de atracción o rechazo dependiendo del uso que se le trate.
  • Los colores son un buen vehículo para dan sensación de movimiento al espectador.
  • Al observar un color se puede transmitir emociones, sensaciones, y todo lo que pueden llegar a expresar y hacer sentir al espectador forma una parte fundamental de la base de un buen arte.
  • Sin color no hay diseño, ya que este elemento es claramente evidenciado dentro de cualquier arte siendo esto la clave de nuestro éxito. Es importante mencionar que si pensamos en ello como si no, si nos damos cuenta o no de ello, estamos cargando de significados cuando elegimos un color.
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PSICOLOGÍA DEL COLOR

Ahora bien, el color según la psicología del color puede causar diversos efectos según el tono que se utilice. En este caso se enumerará tres colores básicos para explicar esto:

Si observamos un cuadro en el cual se aprecie un hermoso atardecer (donde se ven colores como amarillo, naranja, negro) mientras se oculta el sol desde una ventana, al observador le puede producir una sensación de calma, y que a su vez causa una espléndida sensación de energía y vitalidad que produce el recorrer un sendero verde que también se encuentra dentro del cuadro.

Si por el contrario, observamos una obra cinética de diversos colores que tienen cierto contraste entre sí, podemos decir que al espectador le puede causar la sensación de dinamismo, modernismo y creatividad. Por último, si se toma como color base en una obra el color negro, puede generar en los observadores la sensación de pulcritud, seriedad y elegancia.

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El arte cinético en el mundo

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El arte cinético no solo ha tenido un puesto clave en Venezuela, sino también se ha desarrollado en diversas partes del mundo. Muchos desconocen en que año exactamente surgió el cinetismo o cuales fueron las primeras señales de este arte. Sin embargo, los historiadores del arte han considerado que uno de los primeros fundadores en el mundo del cinetismo es el húngaro Víctor Vasarely (dentro del cinetismo óptico) por su obra denominada “Zebra”.

Luego de esta obra pionera, comenzó la producción de un arte abstracto con inspiración geométrica que posee imágenes de fragilidad, parsiminia dentro de la paleta de colores y a su vez efectos visuales cinéticos que dieron un gran éxito en Vasarely durante el año de 1943.

Otros autores y conocedores del arte consideran que las primeras manifestaciones del arte cinético se efectuaron durante la década de los 10 con la obra las “Rotoreliefs” de Marcel Duchamp.

En París, durante la década de los 50, las artes plásticas tomaron una gran fuerza y el cinetismo, como movimiento artístico moderno, no se quedó por fuera, porque involucraba evolución, dinamismo y optimismo representándose normalmente en la escultura y la pintura.

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Entre las primeras exposiciones que se visualizaron en París se encuentran disponibles en la Galería Denise Rene donde se encuentran presentes las obras de artistas plásticos como Jean Tinguely, Alexander Calder, Agam entre otros, esta exposición llevó por nombre “El Movimiento”.

Es importante destacar que el concepto de cinetismo se encuentra tomado en el vocablo Griego “kinesis” que se traduce como movimiento y que de esta deriva el adjetivo de propiedad “Kinetiko” y que da su nombre a una rama mecánica que estudia la relación entre la materia y las fuerzas que pueden ejercer en ellas. Asimismo el cinetismo aprovecha el movimiento y produce en el espectador la sensación de inestabilidad y perspectiva según sea el significado de la obra.

Por otra parte, el arte cinético en el mundo se ha caracterizado por utilizar colores llamativos como el azul, rojo, verde y amarillo en sus obras colocando un sello en cada representación artística, haciendo que la misma no pierda valor en el tiempo y espacio.

Entre los representantes más notables dentro de esta representación artística, se encuentran personajes como  Alexander Calder, Víctor Vasarely, Jesús Soto, Julio Le Parc, Naum Gabo, Gyula Kosice, Panagiotios Vassilakis, Bridget Riley, Yacov Agam y Carlos Cruz Díez, entre otros, que han dejado en alto el nombre de su país y a la vez han demostrado que el arte no es estático sino en constante movimiento y evolución.

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Conoce 5 curiosidades del arte cinético

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Sabemos que el arte cinético es “arte en movimiento”, donde sus exponentes a través de diversas formas, colores y texturas, ofrecen al espectador un espectáculo visual digno de admirar y retratar.

Es importante, que los amantes del arte y conocedores, tengan una perspectiva amplia de esta corriente artística, la cual se diferencia de todas las demás por sus características y maneras de llevarla a cabo.

Por esta razón, te ofrecemos cinco curiosidades del arte cinético, que posiblemente no sabías y que es importante que las personas conozcan.

  • Desde su llegada ha sido una completa revolución, puesto a que rompe con la estructura tradicional del arte; la pintura y la escultura estática comienza a tener vida, deja de ser un fragmento eterno de la realidad.
  • Comenzó en París y su primera exposición fue llamada a propósito “Le mouvement” inaugurada en la galería Denise René.
  • Entre los artistas que participaron durante los inicios del arte cinético en el mundo están: Marcel Duchamp, Alexander Calder, Jean Tinguely, Victor Vasarely, Yves Klein, Jesús Rafael Soto y Pol Bury. Y por parte de Venezuela (que posteriormente se unieron a esta corriente) están: Carlos Cruz Diez, Jesús Soto, entre otros.
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  • Para realizar este tipo de arte, el artista debe tener cierto conocimiento de mecánica básica y estudiar la manera en la que los elementos de la obra interactuarán entre sí para producir lo que busca comunicar.
  • La pieza siempre se encuentra en una posición fija, por lo que el espectador el que tiene que ponerse en movimiento para percibir la idea general de la obra y ver cómo es que ésta se transforma.

Es importante mencionar, que el  arte cinético es una corriente artística que surge en Paris alrededor del siglo XX, el cual se caracteriza por integrar el movimiento físico-espacial que cada elemento de su composición, creando una experiencia extraordinaria para aquellos que tienen la oportunidad de apreciarla.

Este tipo de arte, extiende su manera de expresarse al movimiento físico y virtual, creando un arte óptico que se centra solo en el movimiento de la composición. Los tipos de arte cinético se clasifican según el movimiento que ofrece la composición, esto se dividen en: movimiento tridimensional y movimiento bidimensional.

Esto debe tener dos características necesarias: el primero, que el movimiento sea real y que se encuentre dinamizada por varios mecanismos; y el segundo, que el movimiento sea virtual, lo cual debe generar una percepción óptica del movimiento.

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